Ender's Game

Ender's Game (El Juego de Ender) es una de las novelas de ciencia ficción más reconocidas y aclamadas de las últimas décadas. Escrita por Orson Scott Card y publicada originalmente en 1985, Ender's Game inició una de las más interesantes y complejas sagas en la historia de la CF. Basada en la novela corta del mismo título publicada en 1977 por la revista Analog, Ender's Game cuenta la historia de Andrew "Ender" Wiggin, un niño prodigio que es entrenado para convertirse en el comandante de la flota de combate terrestre que peleará por la supervivencia de la humanidad en unos cuantos años. La edición que leí es anunciada como "La Edición Definitiva del Autor", y se trata de una versión ligeramente corregida y expandida que apareció publicada en 1991.

La Tierra ha sido atacada en dos ocasiones por una especie de insectoides llamados simplemente buggers por la población en general. Solo la habilidad del legendario Mazer Rackham evitó que la humanidad fuese exterminada en esas dos ocasiones y se presume que no falta mucho para que haya un tercer enfrentamiento. Una Escuela de Combate es puesta en órbita para entrenar a los niños que pelearán esa guerra en unos cuantos años y los que logran cursarla adecuadamente son enviados a la Escuela de Comando, escondida en algún lugar entre los planetas exteriores.

Ender tiene solo seis años y es una anomalía como quiera que se le vea. En una época cuando la sobrepoblación es un serio problema y en Occidente hay toda clase de regulaciones respecto al tamaño de una familia, Ender es un "tercero". Su hermano mayor, Peter, dio muestras de características adecuadas para convertirse en un líder, pero su inestable caracter impide que sea seleccionado para entrenamiento. Su hermana, Valentine, reunía algunas de las mismas cualidades pero sin la agresividad necesaria para convertirla en un combatiente, así que el gobierno autorizó a la familia Wiggin a procrear un "tercero", con la esperanza de poder utilizarlo.

Separado de su familia y llevado a la Escuela de Combate, Ender se ve aislado de sus compañeros por su talento natural para planear y ejecutar en situaciones de combate. Avanzando su entrenamiento a un ritmo más rápido de lo que se había visto jamás en la Escuela de Combate, Ender se convierte en el líder más joven de la historia de la Escuela y se gradúa a los 11 años, edad a la que es enviado a la Escuela de Comando, donde se le preparará para la batalla final en contra de los buggers.

Ender's Game es más que una novela sobre el fin de la inocencia. Trata más bien sobre la manipulación y perversión de la inocencia infantil en un mundo de adultos, donde el engaño y la decepción son la norma y cualquier juego infantil puede ser manipulado para servir a los fines de aquellos en el poder. Tal vez el mayor mérito de Card sea la capacidad de convertir al personaje de Ender en un ser complejo pero creíble, frío y calculador cuando necesita serlo pero sensible y vulnerable cuando puede permitírselo, dotando a la historia de un nivel de humanidad rara vez visto en la ficción contemporánea. Sin duda se trata de una de las mejores novelas de CF que he leído en algún tiempo y apenas puedo esperar a empezar con las secuelas. La novela corta está disponible para su lectura en línea en la iPulp Fiction Library.

Desde hace unos años existe el proyecto de adaptar esta novela al cine, y se supone que el propio Card está trabajando en una nueva versión del guión. De realizarse el proyecto la película sería dirigida por Wolfgang Petersen, quien en 1985 dirigiera Enemy Mine, su único acercamiento hasta ahora al género de ciencia ficción. Además, Chair Entertainment ha anunciado la creación de un videojuego basado en la novela, el cual estaría disponible para PC y para las principales consolas de última generación, así que muy probablemente la Saga de Ender esté a punto de hacer su entrada triunfal al mainstream, lo que esperemos sea para bien.

Voces...

En esta ocasión se trata de una anécdota más cercana, pues los protagonistas tienen nombre y apellido, los cuales serán omitidos para proteger su identidad... aclaro que todos los participantes de esta conversación son hombres y presuntamente heterosexuales.

El domingo por la tarde escuché una conversación entre dos de mis amigos:

G: Oye, wey, ¿Qué la semana pasada J te estuvo sobando la pierna?
M: Si
G: ¿Y no le dijiste nada?
M: No
G: ¿Por qué?
M: Porque no supe que decirle o como.
G: ¡De todos modos, wey! Por favor o enojado, pero le hubieras dicho algo...
M: ...
G: Y que, ¿fue durante todo el programa o nada más un rato?
M: Toda la hora.
G: No manches... pues que, ¿te gustó o porque no le dijiste nada?
M: Pues no sé...

Un rato después, y con afán de molestarlo un poco, decidí intervenir...

Yo: Oye, yo no conozco a J... ¿por lo menos es guapo?
M: No, pero trabaja en Microsoft.
Yo (riendo): Entonces, ¿tu eres de los que piensan que cartera mata carita?
M: Pues si...

¡Mejor no te defiendas, compadre!

Ah... lo que uno escucha decir a los amigos... y el otro platicando sobre su amigo gay que en realidad es heterosexual de closet...

No Country for Old Men

Los Hermanos Coen siempre han sido un ejemplo de que no todo el cine producido en Hollywood es superficial y sin alma. A lo largo de los años sus películas han causado toda clase de reacciones entre la audiencia y la crítica, mayormente de manera favorable. No Country for Old Men es su más reciente película y sin duda el empujón recibido en la entrega de los premios Oscar la convertirá también en la más exitosa. No Country for Old Men (Sin Lugar para los Débiles, en México) está basada en la novela de Cormac McCarthy del mismo título. Tommy Lee Jones, Javier Bardem, Josh Brolin, Woody Harrelson y Kelly McDonald integran el extraordinario elenco encargado de dar vida a esta historia de la mano de los Coen, quienes también escribieron la adaptación de la novela.

Llewelyn Moss (Brolin) es un callado hombre de pueblo cuyo pasatiempo favorito es cazar, pero su vida de un vuelco cuando descubre el sitio donde una transacción entre narcotraficantes salió mal.

En medio de muertos y vehículos abandonados, Moss encuentra una camioneta llena de droga y una maleta llena de dinero, decidiendo llevarse consigo ésta última. Esa decisión llevará a que Anton Chigurh (Bardem), un despiadado asesino a sueldo, vaya tras él sin preocuparse por la suerte de quienquiera que se cruce en su camino.

Tal vez la única persona que pueda ayudar a Moss sea el sheriff del pueblo, Ed Tom Bell (Jones), pero Moss no tiene intención de pedir ayuda ni a él ni a nadie más. Esta aparentemente simple historia de cacería humana se convierte en algo totalmente diferente en manos de los Coen. Durante dos horas Ethan y Joel exploran diferentes temas mientras narran el intento de huída de Moss. Narcotráfico, ambición, honor y nostalgia son solo la superficie de No Country...

Cada uno de los personajes principales es desarrollado poco a poco, ayudando a que la historia resulte mucho más compleja de lo que la trama sugiere. La economía en los diálogos es una marca distintiva de las películas de los Coen, pero tal vez éste sea el ejemplo más claro de su capacidad para trabajar sus guiones. No hay una sola frase o gesto que esté de más, y los silencios son usados de un modo impactante, creando una de las mejores películas de los últimos años.

En realidad no hay mucho que pueda decir sobre la película que sirva para describir la experiencia de verla en pantalla. Tal vez el ritmo utilizado por los Coen no sea al que Hollywood tiene acostumbrados a la mayoría de los espectadores, pero me parece que es una película que todo mundo debiera ver.

Lo que he aprendido

El día de ayer fue mi cumpleaños, el número 34 para ser más precisos. Ignoro si tenga algún significado especial o no, pero me parece un buen número. Pasado el tercio de siglo. Lo que sigue no es nada original, pero no lo hago con el fin de innovar o de romper esquemas, sino porque me parece que las listas son una forma entretenida de dar información sobre mi persona, mis gustos y forma de pensar. Ocasionalmente iré publicando listas de libros, películas, escenas de películas, comics, actores, actrices, golosinas, regalos, etc. con diferentes temas. Por lo pronto, y aprovechando mi cumpleaños, y la idea de aprender y descubrir que he explorado en los últimos días...

COSAS QUE HE APRENDIDO A LO LARGO DE LOS AÑOS

• El oído es la herramienta más importante para la comunicación entre la gente. Aprender a escuchar ayuda a evitar malentendidos y nos proporciona los elementos necesarios para que cada vez que abramos la boca sea para hacer alguna aportación.
• La paciencia es la herramienta más importante en casi cualquier actividad de la vida diaria. La determinación, cuando es templada por la paciencia, es prácticamente invencible.
• La clave para obtener el respeto de los demás es la honestidad, y esta debe empezar por uno mismo. La incongruencia entre nuestras palabras y nuestros actos siempre irá en detrimento de nuestra credibilidad.
• Lo más importante en la vida es la familia, sea natural o elegida (incluyendo amigos).
• El chocolate lo cura todo (excepto tal vez la diabetes).
• El humor te puede sacar de cualquier problema si lo sabes utilizar.
• El arma más poderosa de toda mujer es una sonrisa, sobre todo si es sincera.
• Las cosas rara vez salen como uno espera, así que es necesario estar listo para improvisar.
• Nada en la vida es absoluto. Absolutamente nada.
• Me considero a mi mismo como un realista. No importa si el vaso esta medio lleno o medio vacío, pues eventualmente alguien tendrá que lavarlo.
• Soy feliz con el tamaño de mi pene, no me interesa checar tu webcam, no necesito reestructurar mi hipoteca ni me interesa asociarme contigo para sacar de África ninguna fortuna intestada. Y tampoco quiero ser tu amigo si vives en un mundo virtual donde lo más importante sea la cantidad de contactos que tienes.

Ciencia Ficción

Muchas veces me han preguntado por qué me gustan los comics o por qué la ciencia ficción es uno de mis géneros favoritos, si no es que mi favorito. Lo de los comics lo he contestado en diferentes ocasiones y en diferentes partes, aunque supongo que si les interesa leer algo al respecto pueden leer este texto introductorio que hice hace un par de años para Comicverso, y si después de ese aún les quedan ganas, está este otro texto que escribí para el mismo blog y que resulta complementario.

Respecto a la ciencia ficción, ¿qué puedo decir? Hace un par de días escribí aquí sobre algunas de mis aficiones y gustos y me parece que existe una relación. Me encanta descubrir y aprender, y creo que no existe un género de ficción, literario o en cualquier otro género, que pueda satisfacer esa sed y necesidad de novedades como lo hace la ciencia ficción. Hace muchos años leí en alguna parte que alguien se refería al género como "literatura de ideas", y me parece que se trata de una descripción muy acertada.

Contar una historia no es fácil, y hacerlo dentro de un entorno diferente al que nos rodea todos los días lo es más aún. Un buen escritor de ciencia ficción necesita no solo saber escribir bien, sino tener conocimientos de muchos temas más que un escritor "regular", pues no puede inventar de la nada los avances tecnológicos o científicos que serán parte de su historia. Aún si escribe una historia ocurrida en el pasado o en un mundo distante, tiene que haber una congruencia o plausibilidad que mantenga a su historia creíble.

Además, los personajes de una historia de ciencia ficción suelen ser más complejos y más humanos que los que se hayan en una historia cualquiera. Los autores de CF utilizan sus historias para explorar temas relevantes sobre la condición humana, buscando respuestas a las preguntas que se han convertido en todo un cliché de la filosofía: quienes somos, de donde venimos, a donde vamos, cual es nuestro papel en el Universo, etc. La necesidad de contrastar sus mundos con la naturaleza humana lleva a tener que crear personajes imperfectos que reflejen las virtudes, defectos, cualidades, temores y sentimientos que caracterizan al hombre.

En resumidas cuentas, creo que la ciencia ficción es uno de los géneros más ricos y variados de la narrativa contemporánea, ¿por qué no habría de ser mi favorito?

Juno

Una de las películas más exitosas del año pasado en los Estados Unidos es Juno, la cual fue (innecesariamente) rebautizada en México como Juno: Crecer, Correr y Tropezar. Producida por Fox Searchlight, la división para películas de bajo presupuesto de la Twentieth Century Fox, Juno se ha convertido en la primera película salida de ese sello en superar los 100 millones de dólares en taquilla. Escrita por Diablo Cody y dirigida por Jason Reitman, Juno es la historia de Juno McGuff (Ellen Page), una adolescente que queda embarazada luego de un encuentro de una sola noche con su mejor amigo, Paulie Bleeker (Michael Cera). Habiendo decidido en un principio abortar, Juno cambia de parecer y decide buscar una pareja deseosa de adoptar para que ellos se hagan cargo de su bebé. Tras revisar una selección de anuncios clasificados, Juno decide que Mark y Vanessa Loring (Jason Bateman y Jennifer Garner) serán los afortunados, y tras informar de su estado y decisión a su padre (J.K. Simmons) y a su madrastra (Allison Janney), Juno entabla contacto con ellos para formalizar el trato.

Es difícil catalogar una comedia cuando ésta no es un festival de risas bobas y sissentidos como los que acostumbra producir Hollywood, pero no veo forma de describir a la película como perteneciente a otro género (me rehuso a validar un término como "dramedia"). Creo que esa es gran parte del atractivo de ésta clase de películas, pues en vez de someterse a las características esperadas de tal o cual género, los realizadores prefieren concentrarse en los personajes, dejando que el tono se vaya dando en relación a ellos y el momento de la historia que están contando.

El guión es divertido aún cuando por momentos puede parecer un tanto rebuscado por el abuso en el uso de slang adolescente (que no es problema si la ven subtitulada) y por la gran cantidad de referencias a la cultura pop de la segunda mitad del siglo XX, cosa que personalmente no me desagrada ni molesta en absoluto y considero no representa mayor problema para quien no pueda descifrarlas pues no interfieren con el desarrollo de la historia y en todo caso ayudan a enriquecer la personalidad de los personajes.

Además, ¿Cómo puede uno molestarse con una guionista que adoptó el nombre Diablo?

Las actuaciones son más que competentes y Reitman parece haber superado el posible problema que la fama rápida conseguida tras el éxito de su anterior película, Thank You for Smoking, pudiese representar para su carrera, pues Juno resulta un trabajo mucho más completo y satisfactorio que aquella cinta. Juno es una película inteligente, divertida y actual, con personajes creíbles y agradables, además de estar contada de una manera ligera y entretenida, sin tomar partido en cuestiones morales ni tratando de predicar un particular punto de vista, por lo cual considero que puede resultar del agrado de prácticamente cualquier persona.

Para aquellos amigos geek que han decidido descartarla como un chick flick genérico, aquí está la explicación ñoña de la trama:

Kitty Pride, la hija adolescente de JJ Jameson, queda embarazada, y al considerar que no está preparada para semejante responsabilidad, decide entregar a su bebé en adopción a Elektra y su marido.

Y si se preguntan sobre que tan rebuscadas pueden ser las referencias mencionadas más arriba, solo traten de ubicar como encajan menciones a los siguietes temas dentro de la trama de esta película: Dario Argento, Suspiria, los Goonies, Spinal Tap, los Thundercats, The Wizard of Gore, o Lord of the Rings; y añadan referencias musicales que van de Los Carpenters y los Kinks a Nirvana y Hole, pasando por Mott the Hopple, Patti Smith y Sonic Youth. Linda mezcla, ¿no?

Necedades

Durante un par de conversaciones sostenidas el fin de semana, una vez más me encontré con cuestionamientos sobre porque me gusta bloguear y cuales son mis intenciones al hacerlo. Curiosamente, en una de esas conversaciones vino de la misma persona que me había cuestionado de un modo similar hace un par de años, aunque he de mencionar que en esta ocasión se dio de un modo implícito y más bien indirecto, pues estábamos hablando de otra cosa, a diferencia de aquella otra vez.

En lo que a mi concierne, las cosas no han cambiado. Blogueo como resultado de la combinación de diferentes aficiones que han sido parte de mi vida desde que tengo memoria, pues me gusta mucho leer, soy curioso e inquisitivo por naturaleza, me encanta discutir y disfruto escribiendo sobre prácticamente cualquier cosa. El internet es para mi, entre muchas otras cosas, una fuente inagotable de información y conocimiento. Ignoro si califique como un vicio, pero el solo hecho de saber que cada vez que empiezo a navegar voy a descubrir algo nuevo o a aprender algo que no sabía me parece estímulo más que suficiente para seguir navegando sin un propósito aparente.

La Hoguera representa entonces un modo de compartir cosas que me divierten, entretienen, molestan o hacen reflexionar. En el peor de los casos, suponiendo que a nadie le interese nada de lo que llego a poner ahí, se convierte en un documento de mi afición por la búsqueda de información, una constancia de mi curiosidad y de las cosas que llamaban mi atención en algún momento en particular. Los otros blogs en que escribo son diferentes. Comicverso y La Quinta Dimensión le dan salida a mis opiniones e intereses sobre temas más específicos y que tal vez no serían de interés alguno para la mayoría de la gente, a la vez que los dos son diferentes entre si.

Finalmente, está este blog, el cual abrí después de haber invitado a algunos de mis amigos a colaborar en La Hoguera, lo que resultó en una necesidad de un espacio aparte para emitir opiniones mucho más subjetivas sobre ciertos temas o simplemente para poder sacarme cosas del sistema que pudiesen no interesar absolutamente a nadie. El punto es que me gusta escribir, y mientras peleo con mi habilidad para escribir prosa narrativa los blogs son un buen modo de mantenerme ocupado y practicando.

Tan simple como eso.

American Gangster

Ridley Scott es uno de los directores más longevos y respetados dentro del sistema de producción hollywoodense. Si bien no todas sus películas son buenas (¿Recuerdan Black Rain?), el nivel de calidad que ha conservado a lo largo de su carrera es bastante sobresaliente. En los últimos años tengo la impresión de que sus películas se pueden dividir en dos categorías: las que hace por gusto (Matchstick Men, Blackhawk Down, Kingdom of Heaven -normalmente más largas-), y las que hace para el estudio (Hannibal, Gladiator, A Good Year), más al gusto de las masas y pensando obviamente en la taquilla. Personalmente prefiero las primeras, y afortunadamente American Gangster cae en esa categoría.

Con un elenco plagado de estrellas (Denzel Washington, Russell Crowe, Josh Brolin, Chjwetel Ejiofor, Carla Gugino, Ted Levine, John Hawkes, RZA, Cuba Gooding, Armand Assante, Common), Scott dirige impecablemente una historia sobre el crimen organizado, sobre narcotráfico y corrupción, basada en hechos reales pero sin caer en la tentación de dejar que su película se convierta en un pseudo-documental de época, replicando correctamente el entorno de Nueva York/Nueva Jersey de los 70s pero centrándose en sus personajes y no en el mundo que estos habitan, utilizando éste solamente para enriquecer su historia.

Frank Lucas fue un claro ejemplo de lo que era el sueño americano, aunque con un twist. De origen humilde y nativo de Carolina del Norte, Lucas escaló posiciones dentro del crimen organizado, desde chofer de un capo de Harlem a convertirse en uno de los hombres más poderosos de Norteamérica, con influencia sobre las familias de la mafia italiana que operaba en las mayores ciudades de los Estados Unidos, a quienes utilizaba como vehículo de distribución para la droga que importaba del sudeste asiático.

La historia de Lucas es más o menos conocida por todo el mundo, así que nada que cuente de la trama debiese ser considerado como un spoiler, pero a fin de no arruinarle a nadie la experiencia, no voy a mencionar ningún detalle de la historia. Baste con decir que Scott, inteligentemente, se preocupó por desarrollar a los personajes principales, utilizando como punto de partida la vida personal y familiar de sus dos protagonistas, creando un vínculo invisible entre ellos al tiempo que ayuda a entender el porque de su modo de proceder y/o comportarse ante diferentes sityuaciones. Washington y Crowe son dos de los mejores actores de caracter en la actualidad, y apoyados por un sólido guión y un excelente reparto secundario consiguen que Frank Lucas y Richie Roberts sean algo más que un delincuente y un policía enfrascados en un duelo personal.

Sin alcanzar los niveles de obsesión por el detalle de, por ejemplo, David Fincher en Zodiac, Scott consigue crear un retrato de la sociedad norteamericana de la década de los 70s, con la guerra de Vietnam como espectral fondo, invisible para la mayoría pero presente en todo momento. Siempre usando a los personajes como vehículo, Scott critica la postura del gobierno norteamericano ante muchas cosas, desde la continua necedad de seguir con una guerra imposible de ganar, hasta la hipocresía con que ignoraba (ignora aún) problemas internos de su sociedad: el crecimiento de las adicciones, la corrupción de sus autoridades y el constante desarrollo del crimen organizado a la vista de todo el mundo. El tema del narcotráfico lo maneja inteligentemente, presentando la información de un modo crudo pero neutral, evitando juzgar a nadie, de una manera que resulta reminiscente de Blow o Traffic.

Altamente recomendada.

Susto

La noche de ayer me llevé un ligero susto mientras editaba la plantilla de La Hoguera. Estaba haciendo algunos ajustes en la barra lateral y aparentemente seleccione por error más código HTML del que debía y borré la mayor parte de las instrucciones de configuración de mi plantilla, cometiendo el error de guardar los cambios sin verificar que todo estuviera en orden. Como resultado, al abrir el blog únicamente aparecía el contenido de la barra lateral. Cero posts. Nada se borró o perdió, pero la página no tenía las instrucciones para mostrar mis textos en el navegador.

Eso no debiera representar mayor problema, pues tengo los enlaces de las imágenes que personalicé cuando monté esa plantilla y las imágenes mismas están debidamente respaldadas. El problema es que el sitio de donde descargué la plantilla original para modificarla ya no está en línea, y aún cuando tengo copias de los archivos html, éstos deben hallarse en algún cd de respaldos sin marcar, pues eran parte de la información que se perdió con mi anterior disco duro. Podría dedicarme a buscar una copia de la plantilla pero eso podría tomarme algunos días, así que, una vez repuesto del susto pasajero, decidí tomar otro curso de acción.

Ingresé al panel de control de Blogger y entre a los ajustes de La Hoguera para seleccionar una nueva plantilla. Hice algunos cambios en el diseño de colores y fuentes y preparé una versión del header que fuese lo más similar posible a la que tenía anteriormente y guardé los cambios. La Hoguera estaba otra vez en línea con todo su contenido perfectamente legible. Pasé la mayor parte del día de hoy haciendo los ajustes a la barra lateral para que esta presenté la mayor parte de la información que ahí habitaba, aprovechando para limpiar algunos enlaces muertos y arreglar la suscripción al feed RSS, a las actualizaciones por correo, la licencia y demás detallitos.

Pensaba dedicar el fin de semana a buscar la plantilla anterior para reponerla, pero creo que no lo haré. Me gustó como quedó la actual, suficientemente parecida a la anterior como para resultar familiar pero suficientemente diferente como para verse "nueva". De todos modos pensaba cambiar la imagen del blog dentro de un par de meses, así que la que está actualmente puede resultar simplemente una solución temporal, además de un recordatorio importante de que cuando se edita algún documento, esté en código o no, antes de presionar enter o dar click sobre el botón de guardar, siempre es necesario asegurarse de que todo está en orden y tal como debería estar.

En fin, creo que solo necesitaba desahogarme un poco luego del susto pasajero que me llevé. Nos leemos mañana.

Frights

Siempre he sido de la idea de que los géneros más difíciles para escribir deben ser el terror y la comedia, pues ambos necesitan provocar una reacción emocional en el lector y simplemente entretener puede no ser suficiente. En el caso del terror siempre he preferido las historias cortas a las novelas, pues creo que la brevedad obliga al autor a enfatizar el caracter de su historia en vez de preocuparse por construir estructuras y arcos argumentales, así que suelo estar a la caza de antologías cada vez que visito una librería.

Curiosamente no fue así como encontré Frights, pues esta compilación de relatos la encargué con mi proveedor habitual de comics. El libro en cuestión apareció en la sección de libros del Previews, el catálogo mensual de comics, y aún cuando hallaba vagamente familiar el nombre del antologista, Kirby McCauley, fueron los autores listados en la descripción del libro quienes lograron convencerme de encargarlo. Brian Lumley, Joe Halderman, Poul & Karen Anderson, R. A. Lafferty, Ramsey Campbell, Dennis Etchison, Robert Bloch y Gahan Wilson, entre otros, colaboraron con algún relato para esta colección, publicada originalmente en 1973.

La razón por la cual me resultaba familiar el nombre de McCauley es que es el mismo editor responsable de Dark Forces, la excelente antología de historias originales publicada a principios de los 80s que incluía The Mist, de Stephen King y The Night Before Christmas, de Robert Bloch, entre varias otras historias notables. McCauley es más famoso por su trabajo como crítico y como agente literario, papel en el que en uno u otro momento representó a autores como Stephen King, Roger Zelazny, Joe Haldeman o Piers Anthony. Como suele ser el caso con toda antología, los resultados son bastante disparejos, aunque en términos generales la calidad de las historias es bastante buena. Tal vez sea una exageración de mi parte, pero creo que el texto más interesante incluído en el libro es la introducción de Fritz Leiber, titulada Wonder and Terror, en la cual reflexiona sobre el origen de las historias de terror y especula sobre cual es el atractivo de las mismas que ha llevado a convertirlas en uno de los géneros más populares incluso desde antes de la aparición de la escritura.

Un detalle curioso del ejemplar que poseo es que se trata de una edición facsímil, es decir que se publicó con exactamente el mismo contenido que apareció en la edición original, sin cambiar las introducciones a cada historia ni actualizar la información sobre los autores. La imagen que aparece en la parte superior de este texto corresponde a una edición de aniversario publicada de manera posterior, a la cual se le agregaron más historias de otros autores, cuyos nombres aparecen en la portada.

Frights resulta una lectura entretenida con un par de momentos sobresalientes y debiera ser del agrado de los aficionados al género o de quienquiera que disfrute de viejas series de tv como Night Gallery, The Twilight Zone o Amazing Stories.

Cloverfield

Cloverfield debe haber sido una de las películas más publicitadas durante la segunda mitad del año pasado sin haber tenido una gran presencia en los medios tradicionales. Tal vez esa oración parezca no tener sentido a menos que uno esté familiarizado con términos como publicidad viral o guerrilla marketing. A diferencia de lo que sucede con la campaña para The Dark Knight, en la cual se utilizan esas técnicas de promoción, nunca sentí interés alguno por visitar los múltiples sitios web que participaron en la campaña ni tampoco por darle seguimiento a los hallazgos que en ellos se hacían, así que en realidad llegué a ver la película sin saber mucho de ella, salvo que era una producción de J.J. Abrams escrita y dirigida por un par de amigos suyos (Drew Goddard y Matt Reeves, respectivamente), así que llegué sin expectativas de ninguna clase, lo cual siempre resulta una buena idea cuando se trata de películas tipo blockbuster (literalmente) sin ninguna pretensión.

Supongo que eso fue lo mejor, pues aún cuando la película resulta entretenida, no tiene mucho que ofrecer aparte de hora y media de escapismo. Para fines prácticos y si es que necesitan algún punto de referencia, la película debería llamarse The New York Monster Project. La integridad de la película es presentado como un videohome rescatado del lugar de los hechos y por tanto toda la visibilidad existente es la misma que la de un videoaficionado grabando los sucesos mientras estos están ocurriendo. Curiosamente, la película incluía una asdvertencia en las primeras salas donde se exhibió, pues aparentemente los bruscos movimientos de la cámara podían provocar malestar y mareos entre algunos miembros de la audiencia

La película está bien montada. Todo empieza en una fiesta de despedida la noche en que el monstruo ataca. Luego de un apagón y un terremoto (en la isla de Manhattan) la gente sale a la calle a tratar de averiguar que es lo que está pasando. Caos, destrucción, una que otra explosión y ocasionales vistazos de algo gigantesco que se mueve entre los rascacielos de la ciudad. El encargado de grabar un video de despedida para el sujeto festejado decide seguir usando la cámara para documentar los sucesos de la noche, lo cual no debiera extrañar a nadie luego de ver como se comportaba en la fiesta con la cámara. Una vez que empieza la evacuación de la ciudad, un reducido grupo de amigos decide moverse en dirección opuesta para tratar de llegar al departamento de una amiga suya que está atrapada.

Lo siguiente parece un homenaje a las viejas películas de desastre, muchas de las cuales también usaban a Nueva York como catastrófica locación. Imagino que los creativos involucrados también crecieron viendo esas películas, además de el cine post-apocalíptico ochentero, como parece evidenciar la cabeza de la Estatua de la Libertad tirada a mitad de la calle, tal y como se le puede apreciar en el poster del clásico de John Carpenter Escape from New York.

Como datos de trivia interesantes se me ocurren dos:

• El personaje que porta la cámara durante la mayor parte de la película se llama Hud, y HUD son también las siglas de Heads-Up Display, nombre con el que se conoce a la pequeña pantalla/visor que tienen la gran mayoría de las videocámaras actuales, presumiblemente siendo ese visor el utilizado durante la filmación.
• Cloverfield (Campo de Tréboles) era originalmente el nombre código de la película, los cuales se utilizan para alejar papparazzis, reporteros y curiosos en general de los sitios de filmación mientras se rueda una película. El nombre lo tomaron de la avenida donde se encuentran las oficinas de Bad Robot, la productora de Abrams y sus socios, quienes después de discutirlo decidieron dejarlo como título definitivo.

Respecto al monstruo en si, me parece que resulta mayormente irrelevante pese a que toda la campaña publicitaria se centró en las especulaciones sobre su aspecto. De hecho, tengo la idea de que el final de la película podría haber resultado más sólido si nunca se nos diera una vista clara del monstruo, pero eso puede ser simplemente una idea mía. Resumiendo, Cloverfield no le va a cambiar la vida a nadie, pero puede resultar entretenida si se asiste del humor adecuado.

Superbowl Fiesta 2008

El domingo pasado acudí con mi hermano al Autódromo Hermanos Rodríguez para el evento denominado Superbowl Fiesta 2008. El evento fue organizado por NFL México y contó con bastantes patrocinadores de peso completo, como Microsoft, Telmex/Prodigy, Mitsubishi, Grupo Modelo, Walmart, y varios más. Juegos, concursos, videojuegos, parafernalia y merchandise oficiales, además de la presencia de algunas porristas de los Santos de Nueva Orleans y un concierto de Moderatto sirvieron como previo a la transmisión del Superbowl en pantallas colgadas sobre la recta principal de la pista del autódromo.

El ambiente estuvo bastante bien, la organización buena exceptuando quizás el acceso, que se realizó por una única puerta pese a que muchos de los asistentes tenían (teníamos) que acudir a confirmar el registro y recoger los boletos antes de poder acceder a las instalaciones del inmueble.

El ya tradicional NFL Experience fue el centro de las actividades interactivas durante el evento (a no ser que cuenten la gran cantidad de consolas de videojuego donde los aficionados podían jugar Madden 2008), contando con una versión en menor escala montada por Grupo Modelo, así como otros juegos para gente de todas las edades, incluyendo una versión NFL del tradicional juego de lotería. Las porristas de los Santos fueron uno de los atractivos principales, llevando a mucha gente a arremolinarse en torno al pequeño escenario donde se encontraban en busca de una foto o un autógrafo.

Hacia las 4 de la tarde dio inicio la presentación de Moderatto en un escenario montado sobre la recta principal, debajo de las pantallas donde sería transmitido el partido. Iniciaron su set con un popurrí de famosos riffs de guitarra, desde el homenaje a Hendrix tocando el himno nacional (el mexicano, claro), hasta clásicos como Wherever I May Roam, Another One Bites the Dust, Seven Nation Army, Thunder y muchas otras.

Después siguió una selección de temas de sus primeros dos discos, los de covers, y cerraron con una de sus canciones originales. Esta última tuvo el atractivo adicional de que las 7 porristas de los Santos que se encontraban en el evento subieron al escenario a bailar una coreografía especialmente montada para esa canción, haciendo las delicias de todos los asistentes. (Y si no me creen, pregúntenle a mi hermano).

En general el evento fue una experiencia bastante entretenida. Lástima que las tiendas de merchandise no ofrecieran un mejor surtido de productos (algunos si estaban más baratos que lo que normalmente se les encuentra en tiendas y centros comerciales) y que los juegos no sean diseñados para permitir una mayor socialización entre los asistentes. Tal vez eso cambie en futuras versiones, pues es la primera vez que el evento se abrió a público ajeno a los socios y patrocinadores de NFL México. Por otro lado, fue agradable poder volver a ver al Moderatto divertido, al chiste que nadie debiera tomarse en serio pues solo se trata de una broma para los amantes del rock.

Por cierto, una vez concluído el concierto, abandonamos el lugar y nos fuimos a casa a ver el juego. La razón es bastante simple, aunque seguramente suficiente para que se nos tache de pedantes o mamones: Las pantallas eran relativamente pequeñas, sobre todo en relación a su posición respecto al graderío, la transmisión era la de Fox Sports en español (con los estúpidamente incompetentes Von Rossum padre e hijo y compañía, narradores y comentaristas que hacen a uno suplicar porque ese canal tuviese disponible la función SAP de audio alterno), y había demasiado villamelón y gente que ni siquiera sabía quien iba a jugar o porque como para asegurar que alguien pudiese hacernos enojar durante el juego.

Como dije antes, se nos puede acusar de pedantes y mamones, pero así son las cosas.

El Orfanato

Guillermo del Toro ha logrado hacerse de una reputación en la industria cinematográfica mundial gracias a su trabajo en películas tan exitosas y reconocidas como Cronos, Hellboy, El Espinazo del Diablo o El Laberinto del Fauno. Particularmente después de esa última su nombre empieza a ser usado para promocionar proyectos y se busca asociarlo con futuras producciones. Por ejemplo, Del Toro era la primera elección de Will Smith para hacerse cargo de la dirección de I am Legend, aunque tuvo que rehusar para concentrarse en la post-producción de Hellboy II: The Golden Army. Ahora se rumora fuertemente que el realizador tapatío será el encargado de dirigir las dos películas de El Hobitt, producidas por Peter Jackson para MGM/New Line Cinema.

Localmente sin duda todos hemos presenciado la fuerte campaña publicitaria para El Orfanato, en la cual se hace énfasis en su nombre para anunciarla como "Guillermo del Toro presenta", o incluso de manera truculenta y hasta cierto punto tramposa como "una película de Guillermo del Toro". En realidad se trata del debut directorial de Juan Antonio Bayona y Guillermo del Toro es uno de los productores de la película. El guión, obra de Sergio Sánchez, fue ganador de un concurso en España y el premio fue la realización de la película. Aún cuando se le promociona como una película de terror, no creo que ese sea el caso. Se trata de una historia de fantasmas, pero eso no necesariamente implica que sea una historia de horror o de terror. Temáticamente hablando me parece que el manejo de los elementos sobrenaturales es más cercano al de películas como El Espinazo del Diablo, del propio Del Toro, o la clásica Hasta el Viento Tiene Miedo, de Carlos Enrique Taboada.

Laura es una mujer casada y con un hijo que se muda junto con su familia a una vieja casona que alguna vez fue un orfanato donde pasó parte de su infancia. Su idea es convertir el lugar en una casa hogar para niños enfermos o con problemas que requieran de atención especial, pero al correr de los días y mientras avanzan los trabajos de restauración y adaptación de la casa, Laura empieza a sospechar que tal vez el lugar esconde algunos secretos, relacionados en parte con los amigos imaginarios de su hijo Simón. El guión es inteligentemente ambiguo, pues cuenta la historia sin demandar que el espectador acepte sin peros la existencia de fantasmas o vida después de la muerte. De un modo similar a la forma de funcionar de El Laberinto del Fauno, el guión de El Orfanato está escrito de manera que uno puede igualmente aceptarla como una historia de fantasmas, o bien creer que todo se desarrolla en la psique de la protagonista, sin que ello afecte en modo alguno la narración de los hechos.

Con una excelente actuación de Belén Rueda como Laura y un sólido reparto de soporte, el cual incluye apariciones de algunos rostros familiares, como Geraldine Chaplin o Edgar Vivar, El Orfanato es una muy buena película de suspenso que debiera ser del agrado de la mayoría de los espectadores. El éxito tanto de taquilla como de críticas que la película ha conseguido en Europa y en el circuito de festivales llevó a New Line Cinema a adquirir hace unos meses los derechos para producir un remake en inglés, el cual también será producido por Guillermo del Toro.

Voces...

Escuchado a bordo de un autobús de transporte público:

Sujeto 1: Oye, el camión que pasó antes, ¿iba igual de lleno que éste?
Sujeto 2: Casi peor.
Sujeto 1: ¿Si? yo pensé que este iba a ir más vacío...
Sujeto 2: Yo también, pero va lleno. Pero el otro iba casi peor.
Sujeto 1: ¿Entonces iba igual?
Sujeto 2: Pos casi peor...

Si me cae que el español es re-bonito... harto expresivo.

::::: ::::: ::::: ::::: ::::: ::::: ::::: ::::: ::::: :::::

En el radio, ayer por la tarde, mensaje de texto leído al aire por la locutora de turno:

"Ya no toquen a Molotov, porque son unos intolerantes"

Eso es incongruencia y no pedazos... casi me puedo imaginar el grito de batalla en una manifestación: "En nombre de la libertad de expresión, ¡Cállate!"

NFL: Gigantes campeones

Desde media temporada yo había afirmado que los Patriotas de Nueva Inglaterra eran un equipo tan superior al resto de la liga que no había forma de que alguien los pudiera derrotar y que por lo tanto terminarían siendo campeones invictos. Me equivoqué. La combinación de un buen equipo y la presión en contra parecen haber resultado suficiente para rebasar todos los pronósticos y truncar el sueño de una temporada perfecta. Los Gigantes llegaron como el patito feo, como las víctimas que solo servirían para que los Patriotas aseguraran su lugar en los libros de records, lo cual de uno u otro modo termina representando una ventaja, pues se convierten en un equipo que no tiene nada que perder y puede relajarse y jugar, transfiriendo toda la presión a sus rivales.

Previo al inicio del partido, Marshall Faulk, el ex-corredor de los Potros de Indianápolis y los Carneros de San Luis, comentó que se veía una diferencia entre ambos equipos, pues los Gigantes se veían relajados, felices de salir a jugar, en tanto que los Patriotas se veían tensos, serios y preocupados. "Los Gigantes enfrentan a los Patriotas. Los Patriotas juegan contra la historia", comentó. Y creo que en parte tenía razón. Un contrincante puede ser derrotado en el terreno de juego a base de esfuerzo y ejecución. Un obstáculo en la mente no es tan fácil de superar, y menos después de cuatro meses de tener que hacerlo semana a semana.

Los Gigantes llegaban habiendo derrotado en semanas consecutivas a las ofensivas 3 y 2 de la liga, y la pregunta era si su defensiva era lo suficientemente buena como para derrotar a la número 1. Y lo fue. Nueva York fue la mejor defensiva durante la temporada en lo que se refiere a presionar al QB, y ese fue precisamente el enfoque de su plan de juego. Antonio Pierce, linebacker central de los Gigantes, resumió la forma en que detuvieron el ataque aéreo de los Pats de la siguiente manera: "Presión. ¿Cómo puedes pensar en lanzar un pase de 30 o 40 yardas si siempre hay alguien en tu cara?"

Tom Brady y sus compañeros entienden lo que dejaron de hacer o lo que podrían haber hecho mejor, y así lo expresaron en diferentes entrevistas y conferencias. Brady comentó que se habían tardado demasiado en descifrar y contrarrestar los esquemas de presión de los Gigantes y por eso solo habían conseguido dos anotaciones, que a la postre resultaron insuficientes. Randy Moss dijo que lo que más lo sorprendió fue la intensidad con que los Gigantes salieron a jugar, y que la clave fue que nunca pudieron igualar ese nivel de intensidad. Richard Seymour comentó que la defensiva había apretado todo lo posible, pero la ejecución de los Gigantes les permitió superarlos. "Hoy fueron un mejor equipo, y ganaron merecidamente", remató.

Michael Strahan, el veterano Ala Defensivo y líder moral de la defensiva de los Gigantes había anunciado hace varias semanas su retiro. Al llegar al Superbowl afirmó que sin importar el resultado se trataba de su último partido. Y se retira como campeón merecidamente, siendo el líder de capturas de quarterback entre los jugadores activos y dejando detrás un legado de excelencia y un joven equipo que forma parte de la tradición histórica de ofensivas capaces de ganar los juegos importantes.

En NFL Network acostumbran rematar Gameday, el programa que reseña lo mejor de cada jornada, preguntando a sus colaboradores "¿Qué aprendimos hoy?", pero esta semana no fue así. Se acabó la temporada y me parece adecuado preguntarme ¿Qué aprendí esta temporada?

Que Eli Manning es un buen quarterback y puede ser un un gran líder cuando se necesita que lo sea, y merecidamente es campeón y se ganó a pulso la designación de Jugador más Valioso (MVP) del encuentro. Que sin importar la competencia, a fin de cuentas es un juego, y hace falta disfrutarlo, tanto quienes lo juegan o forman parte de su organización como quienes lo vemos. Que los jugadores veteranos siguen esforzándose porque lo disfrutan. Que la perfección puede convertirse en una dura obsesión y que el hecho de que no haya nada seguro es parte de lo que hace que el futbol americano sea un deporte tan disfrutable.

Y se vienen los meses de sequía. Ni modo, ya vendrá otra temporada.

Me-me

Rodrigo finalmente contestó... bueno, pre-contestó (o tal vez debiera decir "retro-contestó) el meme de las 8 cosas (con lo que al sumarse a Paco eleva mi rating de éxito de convocatoria al 25% más una declaratoria de intención), y contraatacó con otro meme...

A la derecha pueden ver la portada del album Mid Pleasures and Palaces, de The Walkabouts, la cual no tendría nada de singular de no ser porque la portada es falsa (obra de un servidor), el album no existe... y la banda tampoco. El meme en cuestión consiste en crear una banda, su album debut, y el arte de la portada siguiendo los siguientes enlaces:

El nombre de tu grupo es el título de un artículo al azar de la Wikipedia.
El título del disco es una frase perteneciente a dicho artículo o una cita al azar.
La portada del disco es la tercera foto de esta galería al azar de Flickr.

Ignoro que tan estrictas se supone son las reglas, pero yo me tomé un par de libertades, agregando "The" al nombre de la banda y convirtiéndolo en plural, y utilizando solo una parte de la cita para el nombre del disco. Inténtenlo, está divertido el asunto.

Portishead

Portishead es un trío británico formado en 1991 en Bristol, Inglaterra, el cual tomó su nombre de un puerto cercano a esa ciudad. Integrado por el multi-instrumentalista Geoff Barrow, la vocalista Beth Gibbons y el guitarrista de jazz Adrian Utley, Portishead tiene a la fecha únicamente dos discos de estudio, Dummy (1994) y Portishead (1997). Considerados como co-creadores del Trip-hop (etiqueta que, por cierto, nunca ha sido de su agrado), Portishead tiene un sonido menos electrónico y más cargado al dub y al jazz que el de otros artistas identificados con el género, como Tricky o Massive Attack.

Su tercer disco ha sido objeto prácticamente de toda clase de leyendas urbanas durante la última década, y de no ser por el Chinese Democracy de Guns 'n Roses bien podría ser el album más postergado de todos los tiempos. El pasado diciembre Portishead se presentó en el festival All Tomorrow's Parties, en Minehead, y tocó cinco canciones de lo que será su nuevo disco, Third (Tercero), el cual saldrá a la venta en abril próximo.

Si bien no hubo petición popular ni nada por el estilo ante la idea de poner dos videos, tampoco hubo queja alguna, así que repetimos el doblete. Primero, Sour Times, y después Glory Box, ambas del disco Dummy y probablemente las canciones más conocidas y populares del grupo.



En su sitio oficial ya hay fechas y detalles de lo que será su gira europea, la cual iniciará los últimos días de marzo en Portugal, con presentaciones en Porto y Lisboa.

I Am Legend

I Am Legend, la mítica novela de Richard Matheson publicada en 1954 ha sido llevada al cine en tres ocasiones ya. La primera en 1964 con el nombre de The Last Man on Earth protagonizada por Vincent Price en el papel de Robert Morgan, el último sobreviviente de una plaga de vampiros. En 1971 Charlton Heston fue el encargado de interpretar a Robert Neville (nombre del protagonista en la novela) en The Omega Man, y finalmente, a fines del año pasado pero recién estrenada en Latinoamérica, Will Smith encarna al mismo personaje en la primera adaptación que mantiene el nombre del libro.

Hace mucho tiempo que dejé de preocuparme porque una adaptación sea fiel o no al material de origen, y entiendo que hay historias que no funcionan igual en uno u otro medio, así que desde que se anunció hace algunos años la posibilidad de adaptar nuevamente la obra de Matheson yo no me hice ninguna clase de expectativas. No le veo caso alguno a mesarme los cabellos y quejarme por "lo que le hicieron al libro". Mi copia está en un librero a mis espaldas, en buen estado y con el mismo contenido que leí hace ya varios años, gracias.

En términos de fidelidad a la historia original, The Last Man on Earth es la más parecida al libro, presentando únicamente dos cambios, ninguno de los cuales altera de manera significativa la historia: el nombre del personaje, de Neville a Morgan, y su profesión, convirtiéndolo en un científico, cambio que prevalece en las dos versiones posteriores. The Omega Man no ha envejecido del todo bien -aunque sigue siendo buena-, y existen pasajes del libro que pudieran parecer encaminados a convertir la película en una comedia, aunque sin duda se trata del efecto de los años y un diferente entorno para narrar la historia. Aclarado todo lo anterior, debo decir que me gustó la nueva versión. No es perfecta, de hecho está lejos de serlo, pero resulta bastante entretenida, si bien demasiado "hollywoodense" para algunos gustos.

Muchos han criticado a esta versión por centrarse en el aspecto de acción o espectacularidad que uno ha venido a identificar como la norma de una cinta de alto presupuesto en vez de tratar de explorar los temas que Matheson trató en su libro, y si bien estoy de acuerdo en que hay un abuso del uso de efectos computarizados a lo largo de la película, no me parece que ese sea su mayor defecto y/o problema. Como siempre, la historia debiera ser el principio y el final de todo, y ahí es donde I Am Legend se queda corta.

Al inicio de la película nos enteramos de que una cura para el cáncer ha sido descubierta y probada con éxito absoluto. Tres años más tarde ese éxito se ha convertido en un desastre biológico. La cura mutó y se convirtió en una plaga, convirtiendo al 99% de la población mundial en criaturas carnívoras que viven en la oscuridad porque no soportan la luz del sol. La epidemia se expande, al menos en América, desde Nueva York, más concretamente desde la isla de Manhattan, considerada como el "punto cero". Antes de la cuarentena el principal investigador en la busca de una cura era el Coronel Robert Neville (Smith), quien es parte del 1% inmune a la enfermedad.

Neville es el último sobreviviente en Nueva York y, hasta donde él sabe, probablemente en el mundo. Con la única compañía de su perra pastor alemán, Neville dedica sus días a explorar los restos de la ciudad en busca de provisiones y señas de algún otro sobreviviente, y de regreso en su casa a experimentar en busca de una cura. Es en esas escenas donde la película tiene sus mejores momentos, explorando los efectos de la soledad y desesperanza en la psique de un hombre fuerte y disciplinado sometido a un aislamiento total de cualquier otro contacto humano.

Los infectados son más similares a zombies que a los vampiros descritos en el libro, y mientras que aquellos eran completamente racionales y tenían una sociedad perfectamente organizada y funcional, los "darkseekers", como son llamados, viven en un estado primitivo y son incapaces de articular palabra. Creo que ese es otro de los puntos donde la película desperdicia una gran oportunidad. El comportamiento de los infectados es descrito por Neville (para su bitácora) como primitivo y casi animal, desprovisto de cualquier característica humana. Y sin embargo, existen momentos donde hay la sensación de que hay algo más detrás de su salvaje comportamiento.

Habiendo leído en una entrevista sobre la existencia de un final alternativo, entiendo la forma en que se presentan ciertas escenas a lo largo de la película, y creo que el director y sus guionistas dejaron escapar una interesante oportunidad temática (aún cuando el final del que era parte tampoco fuera particularmente bueno). La animación digital de los darkseekers deja bastante que desear, sobre todo porque desentonan contra el entorno realista de la ciudad desolada y abandonada. La película podría dividirse en dos partes, la primera, presentando la vida diaria de Neville como el último hombre sobre la Tierra es excelente, pero el último tercio de la historia se siente apresurado, terminando en un final que se siente más como otra oportunidad desperdiciada que como una conclusión satisfactoria.

Resumiendo, I Am Legend es una película muy entretenida, y si consiguen hacerse a la idea de que tiene poco o nada que ver con la novela de Matheson puede hacerles pasar un muy buen rato. Por cierto, si no han tenido oportunidad de ver The Last Man on Earth, ésta se encuentra ya en el dominio público, razón por la que es posible verla y/o descargarla desde el Archivo de Internet aunque se encuentra disponible únicamente en su idioma original y sin subtítulos.