Reseña: 127 Hours

 Danny Boyle es un director bastante inusual para los estándares de Hollywood. Luego de un inicio irregular en su relación con los estudios norteamericanos que resultó en The Beach (La Playa) y A Life Less Ordinary (Vida sin Reglas), sus dos películas más flojas a la fecha, el realizador británico decidió dar un paso atrás y regresar a las bases que tan bien le funcionaron en sus primeras dos películas, Shallow Grave (Tumba al Ras de la Tierra) y Trainspotting (La Vida en el Abismo): historias que le atraen personalmente y en las que los personajes son lo más importante.

Así fue como dirigió cintas como Millions (Millones), 28 Days Later (Exterminio), Sunshine (Alerta Solar) o Slumdog Millionaire (¿Quién Quiere Ser Millonario?), esta última la que terminó de ubicarlo en el mapa luego de que se convirtiera en la gran ganadora de los Premios de la Academia hace un par de años, llevándose, entre otras, las estatuillas a Mejor Director y Mejor Película.

Su más reciente trabajo es 127 Hours (127 Horas), basada en el libro autobiográfico de Aron Ralston Between a Rock and a Hard Place. Ralston (James Franco) es un aficionado al montañismo y a la exploración de cañones, quien gustaba de pasar sus fines de semana explorando de manera solitaria algún cañón o formación rocosa. En abril de 2003 Ralston se internó solo en el Parque Nacional Canyonlands, en el estado de Utah, con la intención de explorar el Cañón Blue John.

En el camino conoce a dos excursionistas (Kate Mara y Amber Tamblyn), aparentemente perdidas, a quienes ayuda a encontrar el sendero que buscaban. Al momento de separarse las dos chicas lo invitan a una fiesta, aunque ninguna de ellas parece convencida de que Aron asista. Tras separarse de ellas Aron busca un camino para acceder al cañón que pretende alcanzar, que sea rápido y que a la vez esté alejado de las rutas más usuales para los visitantes de la zona.

Mientras descendía hacia una hendidura que le permitiría alcanzar su objetivo por una ruta alternativa, Aron perdió el equilibrio al apoyarse en una piedra suelta, provocando un pequeño derrumbe. Al caer, una de las rocas más grandes dejó su brazo aprisionado contra una de las paredes de la estrecha hondonada en que cayó. El resto de la película narra la odisea de cinco días que Ralston vivió atrapado en una estrecha grieta alejada de la civilización. La mayor parte de la película tiene lugar en el punto donde Aron queda atrapado, lo que seguramente representó todo un reto narrativo.

Danny Boyle y su colaborador y co-guionista Simon Beaufoy, tuvieron que hallar el modo de mantener la historia fluyendo a pesar de las limitaciones que la situación les imponía. En alguna entrevista Danny Boyle comentó que tenía años queriendo llevar al cine la historia de Ralston, y que además la veía como su versión de hacer una película similar a The Wrestler, donde la cámara sigue permanente a un solo personaje, lo que además contrastaba con lo que hizo en Slumdog Millionaire.

Fiel a su costumbre, Boyle decide concentrarse en explorar la mente de su protagonista y dejar que sea el personaje quien dicte el ritmo narrativo de la historia. El hecho de que consiguiera hacerlo y en el proceso hiciera además una película bastante entretenida es testimonio de su habilidad, técnica y talento para contar historias, pues la película, a pesar de su tono dramático, nunca decae en ritmo o emoción. Como el mismo Boyle lo dijo, "es una película de acción cuyo protagonista está inmovilizado". A destacar, además del trabajo de Boyle y de sus cinematógrafos, Anthony Dod Mantle y Enrique Chediak, la gran actuación de James Franco, misma que le valió su primera nominación al Oscar.

127 Hours es una entretenida película que gracias al talento de los involucrados trasciende lo que bien pudo haber sido un insípido docudrama televisivo. Muy recomendada.

Sunshine

Sunshine (Alerta Solar) es la más reciente cinta de Danny Boyle y marca el regreso del aclamado director británico al género de ciencia ficción desde la exitosa 28 Days Later. La trama es bastante simple: cincuenta años en el futuro, el Sol está a punto de extinguirse, y con él, toda la vida en la Tierra, sumida en un eterno invierno. La última esperanza de la humanidad es el Icarus II, una nave cuyo objetivo es llevar una superbomba (se menciona que tiene una masa similar a la de Manhattan) hasta el Sol para arrojarla en su interior y provocar una reacción en cadena que re-encienda a la moribunda estrella dotando una vez más de luz y calor a nuestro planeta.

La tripulación de la nave está compuesta por ocho personas. Ocho astronautas y científicos que llevan encerrados en la nave casi año y medio. Y ellos son el centro de la historia. La condición de nuestra estrella se convierte en el pretexto para juntar a esos ocho personajes y colocarlos en una situación de stress que permitirá conocer más a fondo a cada uno de ellos. Una de las características más sobresalientes de la filmografía de Danny Boyle es precisamente esa preferencia por permitir que sean los actores lo que lleven el peso de la historia, construyendo personajes humanos y creíbles a partir de sus reacciones al entorno en que se encuentran.

Obviamente el elenco de una película así necesita tener la capacidad para encarar el reto que el director les pone. Una mezcla de rostros conocidos (Cyllian Murphy, Chris Evans, Michelle Yeoh, Rose Byrne) y otros no tanto (Cliff Curtis, Troy Garity, Hiroyuki Sanada, Mark Strong y Benedict Wong), compone el talento actoral detrás de esta cinta. El motor detrás de la película es la relación entre los ocho tripulantes y los efectos que tiene en ellos el estar encerrados sin contacto con nadie más. El resultado es reminiscente de algunos clásicos del género, como Alien o 2001: A Space Odissey. O al menos por la mayor parte de la película.

Un giro inesperado en la trama transforma a la cinta, pasando de ser un elaborado thriller de ciencia ficción a una película de terror psicológico. Esto no es del todo negativo, pero la violenta resolución de la película deja al espectador con la sensación de que la película pudo haber sido realmente memorable. Y con esto no quiero decir que la película sea mala, sino que, de haber mantenido el tono y ritmo hasta el final, bien podría haber llegado a ser considerada como un auténtico clásico del género, pasando a engrosar la distinguida lista de honor de la ciencia ficción.

Para Danny Boyle no es ninguna novedad el centrar su película en desarrollar personajes y utilizar la situación y entorno para provocar reacciones que vayan construyendo la historia poco a poco. Desde Shallow Grave y Trainspotting hizo uso de esa misma técnica narrativa. En realidad resulta bastante difícil tratar de resumir la historia de cualquiera de sus películas haciendo referencia únicamente a la trama de la misma, pues los actos de sus personajes siempre terminan pesando dentro del desarrollo de la historia, cambiando la posible apreciación que se pudiera tener de la misma si no fuera así.

Visualmente la película es impresionante. Desde el primer momento Boyle hace énfasis en la magníficente belleza del Sol. El diseño de producción del interior de la nave y el equipo contenido en ella también es de destacarse, y el hecho de que la historia se ubique a solo cincuenta años de nuestro tiempo permite que la tecnología se vea suficientemente real y plausible a la vez que se entiende como resultado de un desarrollo razonable dentro de lo que conocemos en la actualidad. Cabe destacar que Boyle buscó el apoyo y soporte de un reconocido grupo de científicos para que sirvieran como consultores de historia y como apoyo a los actores, lo que permite que ninguno de ellos parezca estar hablando de algo que no entiende.

Resumiendo, Sunshine es una inteligente historia que combina elementos de drama, ciencia ficción, y terror psicológico de una manera efectiva y eficiente, dotando al espectador de una buena dosis de entretenimiento al tiempo que puede provocar algunas reflexiones sobre la naturaleza de nuestro planeta y de la fragilidad de cosas que damos por sentadas. Además, como toda buena película de ciencia ficción, trata principalmente de la naturaleza humana. Altamente recomendada.

Shallow Grave

La última vez que escribí sobre películas mencioné Shallow Grave como el mejor trabajo del realizador británico Danny Boyle, pero estoy consciente de que muy poca gente está siquiera enterada de la existencia de esta película. Y es de entenderse, ya que el salto a la fama de Boyle se dio con el estreno de su segunda película, Trainspotting, la cual le ganó reconocimiento a nivel mundial.

Shallow Grave (Tumba al Ras de la Tierra) narra la historia de tres jóvenes británicos, dos hombres y una mujer, quienes viven juntos en un espacioso apartamento con una habitación adicional para rentar. Tras entrevistar a varios candidatos eligen a su nuevo huésped, pero apenas un par de días después de mudarse, ellos lo encuentran muerto y en posesión de una maleta llena de dinero. Tras una breve discusión su ambición resulta ser más poderosa que su sentido común y deciden quedarse con el dinero y deshacerse del cuerpo.

A partir de ahí la cinta explora como la avaricia, la desconfianza y la sospecha va minando la amistad existente entre los tres. Es de destacar la presentación de Ewan McGregor en su primer papel protagónico y el excelente trabajo de dirección actoral de Boyle, quien logra contar su historia de una manera muy capaz gracias al extraordinario manejo de personajes.

La cinta tiene las vueltas de tuerca adecuadas para impedir que la historia se vuelva sosa o predecible y el trabajo de fotografías y composición de escenas muestra todo el estilo y técnica que le ganarían a Boyle el reconocimiento de crítica y público en los años posteriores. Gran debut del director de Trainspotting, 28 Days Later y Millions -esta última actualmente en carteleras- y digna adición a cualquier videoteca.

The Beach

Alex Garland es un joven escritor británico que ha logrado mezclar su exitosa carrera como novelista con una igualmente exitosa transición a guionista de cine, habiéndose convertido en colaborador frecuente de Danny Boyle, para quien escribió los guiones de 28 Days Later (Exterminio) y Sunshine (Alerta Solar), luego de que el mismo Boyle dirigiese la adaptación de The Beach (La Playa), la primera novela de Garland.

The Beach cuenta la historia de Richard, un joven británico que hace turismo "de mochila" en el sudeste asiático. Durante su estancia en un hotel, Rich entra en contacto con un escocés que balbucea acerca de una playa secreta. A pesar de no querer involucrarse con el extraño, Rich se siente intrigado por la playa a que éste hace constantes menciones. Un día al volver a su habitación Rich encuentra un mapa dibujado a mano que detalla la localización de una playa oculta en una laguna al interior del archipiélago tailandés, en una reserva ecológica cerrada al turismo. Al acudir en busca del escocés para entender mejor de que se trata, Rich descubre que éste, quien se hacía llamar Daffy Duck (Pato Lucas), se ha suicidado. Luego de reportar el suicidio a las autoridades Rich decide quedarse con el mapa sin informar de su existencia, y más tarde lo comenta con Étienne, un joven francés hospedado junto con Françoise, su novia, en la habitación contigua a la suya.

La pareja le cuenta que en varias ocasiones escucharon a Daffy hablando o balbuceando acerca de la playa, un supuesto paraíso alejado de la civilización. Aburridos de la vida en los lugares normalmente llenos de turistas el trío decide buscar la playa y algún modo de llegar hasta ella. Tras estudiar mapas de las islas consiguen alquilar los servicios de un lanchero que los lleve hasta la isla más cercana a la que ellos creen contiene la playa y se preparan para el viaje. La víspera de su partida Rich no resiste el impulso y sin decir nada a sus acompañantes deja un mapa dibujado por él mismo a Sammy y Zeph, dos jóvenes norteamericanos con quienes trabó amistad mientras preparaban su excursión en busca de la playa.

Una vez en la isla vecina, los tres jóvenes deciden llegar nadando hasta su destino, lo que resulta una tarea más dura de lo que habían imaginado. Tras explorar un poco deciden que la playa debe estar en el extremo opuesto de la isla y que la única manera de llegar ahí será cruzando un paso en el centro de una colina. Al llegar al claro en la cima descubren una plantación de mariguana y pronto necesitan esconderse de los guardias armados que custodian el lugar.

Al terminar de cruzar la colina se encuentran con que la playa rodea una laguna con una cascada sin ninguna ruta evidente para descender. Mientras intentan decidir su siguiente paso, Rich se levanta e impulsivamente se arroja desde el risco sobre la cascada. Para su sorpresa, un hombre lo espera al llegar a la playa y pronto aparecen más personas. Así se entera de que ahí vive una comunidad bien organizada y establecida, trabajando para ser autosuficientes bajo la dirección de Sal, una mujer aparentemente de origen norteamericano, y su amante, Bugs. Rich sufre un colapso y pierde el conocimiento.

Al despertar se entera que ha sufrido de fiebre por más de día y medio, y que en ese lapso Françoise y Étienne se han integrado a la comunidad, pasando a formar parte de uno de los grupos de pescadores. Rich decide unirse al mismo grupo mientras busca ponerse al día, haciendo amistad con Gregorio, el otro pescador en su grupo, y con Keaty, un muchacho británico que posee el único GameBoy en el campamento. Pronto se entera que la playa fue descubierta seis años atrás por Sal (abreviación de Sylvester), Bugs y Daffy, y que el resto de los integrantes de la comunidad llegaron ahí llevados por ellos, con las únicas excepciones de Jed, otro británico quien parece vivir mayormente alejado del resto de la comunidad, y tres suecos, quienes forman el más exitoso grupo de pescadores, trabajando fuera de la seguridad de la laguna.

Poco a poco los tres jóvenes se van adaptando a la forma de vida de la playa y van olvidándose del resto del mundo, apenas conscientes del paso del tiempo y de que hace semanas que no se comunican con sus familias. Cuando el encargado de la cocina descubre que la mayor parte del arroz con que cuenta el campamento se ha estropeado, es necesario realizar una expedición a una de las islas mayores para conseguir más. Rich se ofrece a acompañar a Jed y así descubre que su labor es servir como vigía, cuidando posibles nuevos arribos, y robando mariguana de la plantación para abastecer al campamento.

Durante su estancia en la civilización Rich se sorprende al notar la alienación que siente al hallarse nuevamente rodeado de turistas, y su malestar se incrementa cuando Jed le informa que encontró a un grupo de muchacho que tienen un mapa con la localización de la playa. Apenado, le cuenta a Jed sobre el mapa y porque lo hizo, a lo que Jed reacciona favorablemente, preocupado pero sin culparlo. Vuelven con el arroz a la playa y unos días más tarde Rich se sorprende al enterarse de que Jed ha solicitado a Sal que Rich deje su puesto como pescador para ayudarlo en sus tareas de vigía. Luego descubre la razón: los americanos a quienes dejó el mapa están en la isla vecina junto con tres alemanes, dos chicas y un chico, justo en el punto donde él, Françoise y Étienne iniciaron el cruce a nado.

Mientras tanto, la vida en el campamento empieza a sufrir a causa de fricciones, principalmente entre Rich y Bugs, las cuales llevan a que poco a poco se vaya creando una división en grupos, polarizando los ánimos. Cuando una tragedia cae sobre el campamento, Sal decide utilizarla para crear un nuevo lazo de unidad, acabando con las rencillas, pero sus planes se ven frustrados cuando Zeph, Sammy y los alemanes parten hacia la isla en una balsa. Su llegada a la isla provocará una sacudida en el status quo que cambiará para siempre la vida de la comunidad.

Garland realizó muchas excursiones durante su juventud, y su primera novela refleja muchas de las experiencias que vivió en esos años. El tono de la historia recuerda por momentos clásicos de la literatura como Lord of the Flies (El Señor de las Moscas) ó The Heart of Darkness (El Corazón de las Tinieblas), recreando vívidamente los paisajes exóticos de la jungla asiática y el impacto psicológico de la vida primitiva en un grupo de personas aisladas del resto del mundo, aderezando además su relato con constantes referencias cinematográficas al cine de guerra, particularmente cuando se trata del tema de Vietnam. El resultado es una fascinante novela de aventuras que sirve además como vehículo de reflexión acerca del impacto del hombre y la sociedad en su entorno, explorando junto con el paisaje los más primitivos y oscuros instintos del hombre.

Nunca he visto la película de Danny Boyle, misma que contó con las actuaciones de Leonardo DiCaprio, Tilda Swinton y Virginie Ledoyen, pero tengo entendido que no es muy buena, aún a pesar de guardar bastante fidelidad con el libro, al menos en su primera mitad. Los comentarios que he escuchado hacen que resulte dudoso que algún día la vea, sobre todo tomando en cuenta lo mucho que me gustó el libro. Habrá que cazar las otras dos novelas de Alex Garland.

Los 2000s: Cine

¿Existe alguna manera de resumir lo que fue esta década en el cine? No lo sé. No me parece que siquiera valga la pena intentar describir de una manera simple diez años de trabajo, ni siquiera si nos limitamos únicamente a la producción hollywoodense, misma que compone la mayor parte de lo que llegamos a ver en salas comerciales.

Sin embargo, algunas modas o tendencias sobresalen entre las producciones de los últimos diez años. Por ejemplo:

• Remakes. Aparentemente los estudios decidieron que era una apuesta más segura mirar atrás y revivir viejas marcas y franquicias en su poder, dando luz verde a toda clase de remakes o versiones "re-imaginadas" de películas que en décadas anteriores gozaron de cierta popularidad. Lo peor del asunto es que esta tendencia sigue bastante fuerte y no se le un final a corto o mediano plazo.
• Adaptaciones de TV. Dado que la gran mayoría de los grandes estudios tienen alguna clase de asociación con las principales cadenas y productoras de TV supongo que no debería ser sorpresa que al buscar material para los remakes alguien decidiese que algunas ideas que tuvieron éxito en TV podrían funcionar también en el cine. Afortunadamente esta clase de remakes parecen no haber sido tan exitosos, pues aún cuando se insiste en buscarlos las propiedades disponibles parecen estarse agotando rápidamente.
• Comics. Hubo una época en que se consideraba como una mala idea el tratar de adaptar comics a la pantalla grande, pues el resultado solía ser de pésima calidad y con una aceptación en taquilla poco menos que desastrosa, pero en los últimos años eso ha cambiado. Tengo la teoría de que muchos directores, guionistas y actores de reconocida capacidad crecieron leyendo comics, lo que ayuda a que se acerquen al material con más respeto del que lo hacían sus colegas años atrás. Como quiera que sea, aún hay mucho material disponible, así que esto no me parece ya una moda.
• Franquicias revisitadas. Tal vez los proyectos más largamente esperados fueron también los más decepcionantes. Tras el lanzamiento de la edición especial de la trilogía de Star Wars, todo mundo esperaba ansioso el lanzamiento de las nuevas películas, pero una vez que esta finalmente llegaron, todo mundo se quedó esperando que jamás lo hubieran hecho. No contento con ello, George Lucas decidió que también podía hacer lo mismo con su otra franquicia y junto a Steven Spielberg produjo una aventura más de Indiana Jones, haciendo que los fans deseasen ansiosamente que tanto Lucas como Harrison Ford decidieran retirarse de la industria.
• Los "Reboots" de franquicias. Aparentemente la única diferencia entre un remake y un reboot es... uh... el nombre que le dan los estudios. Aunque creo que en realidad son remakes si solo hacen una nueva versión de una película, y un reboot si la idea es hacer una nueva serie de películas basada en alguna vieja franquicia. ¿Ejemplos? Creo que los únicos dignos de ser mencionados son Star Trek y James Bond, pues el resto de los realizados en años recientes son dentro del género de terror y los resultosos son mayormente penosos.
• Terror Oriental. Desde finales de la década pasado se dio un dominio oriental en el género de horror, con muchas cintas coreanas, chinas y/o japonesas convirtiéndose en exitos de crítica y taquilla, y generando toda clase de remakes hollywoodenses, ninguno de los cuales pudo alcanzar el nivel de calidad de las versiones originales.
• Libros. ¿Quien lo hubiera pensado? El éxito de algunas adaptaciones cinematográficas se reflejó en las ventas de los libros que las inspiraron, empezando con el trabajo de Peter Jackson en la saga de The Lord of the Rings y alcanzando su punto más alto con la serie de Harry Potter; poniendo en la conciencia de las masas nombres como Nick Hornby o Cormac McCarthy; y con Dan Brown y Stephanie Meyer como los grandes ganadores, demostrando que el fenómeno no estaba limitado a buenos libros.

Dado que este post ya es bastante largo, solo me resta incluir una lista, recordándoles que ni soy crítico profesional ni me considero una autoridad para evaluar o juzgar la calidad o valores artísticos de una película. Dejémoslo simplemente como una lista de películas producidas durante la década pasada que me atrevería a recomendar prácticamente a cualquier persona. Divididas por su año de producción y sin un orden en particular:

2000

• Brother - Takeshi Kitano
• Crouching Tiger, Hidden Dragon - Ang Lee
• Memento - Christopher Nolan
• O Brother, Where Art Thou? - Joel Coen
• Chopper - Andrew Dominik
• In the Mood for Love - Wong Kar-Wai
• American Psycho - Mary Harron
• High Fidelity - Stephen Frears
• Requiem for a Dream - Darren Aronofsky
• Wonder Boys - Curtis Hanson
• Pitch Black - David Twohy
• High Fidelity - Stephen Frears
• Les Rivieres Pourpres - Mathieu Kassovitz 

2001

• Heist - David Mamet
• 24 Hour Party People - Michael Winterbottom
• Donnie Darko - Richard Kelly
• The Royal Tenenbaums - Wes Anderson
• Ichi the Killer - Takashi Miike
• The Man Who Wasn't There - Joel Coen
• Mulholland Drive - David Lynch
• The Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring - Peter Jackson
• Spirited Away - Hayao Miyazaki
• El Espinazo del Diablo - Guiillermo del Toro
• Enemy at the Gates - Jean-Jaques Annaud
• Gosford Park - Robert Altman
• Ocean's Eleven - Steven Soderbergh

2002

• Adaptation - Spike Jonze
• The Lord of the Rings: The Two Towers - Peter Jackson
• 25th Hour - Spike Lee
• 28 Days Later - Danny Boyle
• Dolls - Takeshi Kitano
• Confessions of a Dangerous Mind - George Clooney
• Bowling for Columbine - Michael Moore
• Le Pacte des Loups - Christophe Ganz
• Gangs of New York - Martin Scorsese
• Infernal Affairs - Andrew Lau & Alan Mak
• The Pianist - Roman Polanski

2003

• Saraband - Ingmar Bergman
• Old Boy - Park Chan-Wook
• The Lord of the Rings: The Return of the King - Peter Jackson
• X2 - Bryan Singer
• Big Fish - Tim Burton
• Spring, Summer, Fall, Winter and Spring - Kim Ki-Duk
• Zatoichi - Takeshi Kitano
• Love Actually - Richard Curtis
• Kill Bill - Quentin Tarantino

2004

• Primer - Shane Carruth
• Sideways - Alexander Payne
• Shane of the Dead - Edgar Wright
• Million Dollar Baby - Clint Eastwood
• Eternal Sunshine of the Spotless Mind - Michel Gondry
• Team America: World Police - Trey Parker
• 2046 - Wong Kar-Wai
• Spartan - David Mamet
• Samaritan Girl - Kim Ki-Duk
• Spider-man 2 - Sam Raimi
• Der Untergang - Oliver Hirschbiegel
• House of Flying Daggers - Zhang Yimou
• Layer Cake - Matthew Vaughn

2005

• Grizzly Man - Werner Herzog
• Brokeback Mountain - Ang Lee
• Batman Begins - Christopher Nolan
• Serenity - Joss Whedon
• Broken Flowers - Jim Jarmusch
• The Hitchhiker's Guide to the Galaxy - Garth Jennings
• A History of Violence - David Cronenberg
• Jarhead - Sam Mendes
• Lord of War - Andrew Niccol
• Melinda and Melinda - Woody Allen
• No Direction Home - Martin Scorsese
• Syriana - Stephen Gaghan

2006

• Casino Royale - Martin Campbell
• United 93 - Paul Greengrass
• The Last King of Scotland - Kevin McDonald
• El Laberinto del Fauno - Guillermo del Toro
• Das Leben Der Anderen - Florian Henckel von Donnensmark
• Children of Men - Alfonso Cuarón
• The Queen - Stephen Frears
• The Departed - Martin Scorsese
• Inside Man - Spike Lee
• Blood Diamond - Edward Zwick
• Letters from Iwo-Jima - Clint Eastwood
• Curse of the Golden Flower - Zhang Yimou

2007

• Persepolis - Vincent Paronnaud & Marjane Satrapi
• Zodiac - David Fincher
• No Country for Old Men - Ethan & Joel Coen
• The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford - Andrew Dominik
• There Will Be Blood - Paul Thomas Anderson
• Let The Right One In - Tomas Alfredson
• The Darjeeling Limited - Wes Anderson
• Stardust - Matthew Vaughn
• A Mighty Heart - Michael Winterbottom
• Sunshine - Danny Boyle
• The Bourne Ultimatum - Paul Greengrass
• Charlie Wilson's War - Mike Nichols
• Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street - Tim Burton
• El Orfanato - Juan Antonio Bayona
• [REC] - Jaune Balagueró & Paco Plaza

2008

• In Bruges - Martin McDonagh
• Wall-E - Andrew Stanton
• Slumdog Millionaire - Danny Boyle
• Iron Man - Jon Favreau
• Hellboy II: The Golden Army - Guillermo del Toro
• The Wrestler - Darren Aronofsky
• Cassandra's Dream - Woody Allen
• Redbelt - David Mamet
• Tropic Thunder - Ben Stiller
• RocknRolla - Guy Ritchie
• Gran Torino - Clint Eastwood

2009

• Moon - Duncan Jones
• District 9 - Neill Blomkamp
• Coraline - Henry Selick
• Inglorious Basterds - Quentin Tarantino
• State of Play - Kevin McDonald
• Duplicity - Tony Gilroy

La idea original era elegir diez películas de cada año, pero no me convenció la idea. Luego pensé en dejar que se acumulasen cien películas sin limitar la cantidad por año, pero terminé con un puñado adicional. El 2009 me sorprendió porque mucho de lo mejor que vi este año en realidad eran producciones de años anteriores. Hay algunas películas que pudiesen haber ayudado a llenar el año, pero las distribuidoras nacionales optaron por dejarlas "para después". Estas son algunas de las que no he podido ver:

• The Road
• The Hurt Locker
• The Brothers Bloom
• The Limits of Control
• Sherlock Holmes
• Ponyo
• Zombieland
• Where the Wild Things Are
• Astro Boy
• The Men Who Stare at Goats
• Up in the Air
• The Lovely Bones

Supongo que muchas de ellas las comentaré en este 2010. Dado que ayer no publiqué nada, esta noche pondré otro de estos textos de fin de década.

Slumdog Millionaire

Danny Boyle es desde hace varios años uno de mis cineastas favoritos. Descubrí su trabajo en Trainspotting y luego tuve oportunidad de ver Shallow Grave, su primera película. Su incursión en Hollywood no fue tan exitosa, dejando atrás A Life Less Ordinary, que no es mala pero pudo haber sido mucho mejor, y The Beach, la cual si está más allá de cualquier posible intento de defensa que quisiera hacer. 28 Days Later representó un gran regreso a la forma que le dio fama, y Millions su primera aproximación a lo que podría considerarse como temáticas "tradicionales", representando además su primer trabajo dirigiendo niños. Sunshine me pareció una atrevida apuesta de su parte, demostrando que su forma de trabajar, con el desarrollo de personajes anteponiéndose a cualquier otro aspecto narrativo podía funcionar en cualquier clase de historia.

Y eso nos lleva a Slumdog Millionaire (Quisiera ser Millonario), su cinta de 2008 que resultara la gran ganadora en la entrega de los Premios de la Academia el domingo pasado, recolectando ocho estatuillas de las diez para las que estaba nominada, incluyendo Mejor Director y Mejor Película. Slumdog Millionaire cuenta la historia de Jamal Malik, un joven que creció en los slums de Bombay (hoy Mumbai) al lado de su hermano Salim y su amiga Latika. Creo que lo más cercano a una traducción para slum sería arrabal, pues se refiere también a los asentamientos humanos que se dan en los bordes de las ciudades, donde las condiciones de pobreza y falta de salubridad son infrahumanas.

La historia empieza con Jamal siendo interrogado por la policía bajo sospecha de fraude, pues se encuentra concursando en la versión hindú del popular programa de concurso Who Wants to Be a Millionaire? (¿Quién Quiere ser Millonario?), donde ha acumulado un total de diez millones y se encuentra a solo una pregunta de alcanzar el premio principal de veinte millones de rupias (unos cuatrocientos mil dólares, o casi seis millones de peso al tipo de cambio actual). Dado que no tiene estudios y apenas sabe leer y escribir, los responsables del programa creen que puede estar haciendo trampa, pues ha llegado mucho más lejos que cualquier participante anterior, incluyendo profesionistas y gente preparada. Mientras Jamal responde al interrogatorio se va dibujando la historia de su vida, desde sus primeros años en el slum, hasta el momento en que decidió buscar la oportunidad de concursar en el programa antes mencionado y, parafraseando a Spider-man se trata, como toda historia digna de contar, de una historia acerca de una chica.

Mucho se ha criticado a esta película porque supuestamente presenta una exagerada visión de las condiciones de pobreza en los barrios bajos de la India, a grado que incluso algunas marcas (Mercedes-Benz y Coca-Cola) pidieron que sus logotipos se retiraran de toda escena para evitar que su buen nombre se viera asociado y por tanto empañado luego de aparecer entre tanta miseria, y hay incluso quien la ha calificado como "poverty porn" (porno de pobreza), por la supuesta explotación que hace de ese tema para generar morbo y/o simpatía. No estoy de acuerdo, en primera, porque no es necesario ir hasta la India para encontrar asentamientos donde la gente viva en esas condiciones, pues tristemente existen en casi cualquier gran ciudad; y en segunda, porque la historia nunca hace intento alguno de explotar el origen de Jamal ni intenta presentarlo como un martir o una víctima de las circunstancias, simplemente establece las condiciones en que creció para dar un trasfondo al personaje.

El guión de la película es obra de Simon Beaufoy, quien ganara fama hace algunos años por su trabajo en el guión de The Full Monty y está basado en la novela Q & A, del hindú Vikas Swarup, la cual ha sido publicada en español como ¿Quién Quiere ser Millonario? por Editorial Anagrama. La traducción de diálogos y soporte cultural-logístico mientras se filmó en la India corrió a cargo de Loveleen Tandan, quien tiene crédito como co-directora en la película, aunque según ella misma y gente cercana a la producción éste obedece más al deseo de Boyle de señalar la importancia de su trabajo para la realización de la película y de ningún modo quiere decir que comparta crédito por el trabajo directorial.

La película resulta ser una especie de cuento de hadas para adultos, una historia optimista y llena de esperanzas por un futuro mejor, y para mi eso es suficiente razón para que se le celebre y promueva alrededor del mundo. El hecho de que se trate de una bien cuidada producción realizada por uno de los más talentosos directores del cine occidental y se convierta en un primer vistazo al cine de Bollywood es un añadido que se agradece, incluso con su controvertido número musical final, Jai Ho!, que personalmente me divirtió bastante. A ver si alguno de los productores de cine nacional se da cuenta de que existen diferentes maneras de utilizar la pobreza y la adversidad como temas en el cine, porque lamentablemente la gran mayoría del cine mexicano si tiende hacia el lado del poverty porno, y del más barato.

Como añadidos triviescos:

Amitabh Bachchan, la estrella de cine de quien Jamal obtiene un autógrafo, es una estrella real de cine en Bollywood. Además fue el conductor original del programa Who Wants to be a Millionaire en su versión hindú y es el suegro de la bellísima Aishwarya Rai.
La película tuvo un costo total de quince millones de dólares y las empresas británicas involucradas tuvieron que recurrir a capital norteamericano para cubrir el presupuesto, habiendo corrido en algún momento el riesgo de verse forzados a lanzarla directamente en DVD omitiendo su estreno en cines.

Por cierto, dado que mi idea era poder verla antes de la entrega de los Oscar, terminé pasando un fin de semana de tres visitas al cine a ver tres películas completamente distintas. Ya comentaré The Transporter 3 y Righteous Kill.

Generación Perdida

Recuerdo que hace algunos años, cuando se estrenó Trainspotting, la controvertida cinta de Danny Boyle basada en la novela de Irving Welsh, mucha gente se refería a ella como "La Naranja Mecánica de nuestra generación".

Esa clase de etiquetas siempre me han parecido tontas. Que si Sweet Child of Mine era la Satisfaction de nuestra generación, que si Coldplay está listo para ser el "nuevo" U2... no sería mejor elogio para esos grupos y/o obras que se les valorase por sus propios méritos en vez de compararlos con el pasado? Claro, debe sentirse bien que te comparen a ti o a tu trabajo con elementos que marcaron una época o trascendieron más allá de lo que se esperaba de ellos, pero no por eso deja de ser engorroso el estar sujeto a las comparaciones.

Habiendo aclarado que no me gusta hacer comparaciones me veo en la penosa situación de aceptar que a veces son útiles para valorar ciertas cualidades de algo, películas incluidas. Volviendo al ejemplo con el que inicie este texto, no coincido con la idea de que Trainspotting sea nuestra Naranja Mecánica. Supongo que esa comparación fue hecha en base a que ambas cintas muestran la decadencia que puede alcanzar la juventud en una sociedad que prefiere ignorar a quienes debieran ser su responsabilidad. Para mi, Naranja Mecánica habla más sobre el efecto alienante de la sociedad en el individuo, explorando lo que es vivir en una ciudad entre millones de gentes y aún así estar solo, al tiempo que analiza los extremos a los que un individuo puede llegar en su lucha privada contra el sistema.

Y partiendo de esa particular interpretación del tema de la película, creo que más que Trainspotting sería posible situar a Fight Club en ese contexto. O incluso a American Psycho. Trainspotting es una buena película, pero creo que se necesita tener algún contacto muy cercano con el mundo de las adicciones para poder apreciarla enteramente, y aún siendo ese el caso, ni siquiera es la mejor película de Danny Boyle (honor correspondiente, en mi humilde opinión, a Shallow Grave). American Psycho resulta ser un interesante análisis de una sociedad guiada por el consumo, donde la forma es más importante que el fondo y las apariencias lo son todo. Pero a mi parecer la película tiene muchas deficiencias narrativas que impiden que sea tan buena como pudo haber sido.

Y eso nos deja con Fight Club. A mi juicio se trata de una de las películas más inteligentes y provocadoras de los últimos años. David Fincher tenía ya una reputación de ser uno de los realizadores con un estilo visual y narrativo mas distintivos, pero Fight Club es sin duda su trabajo más ambicioso. Cuando conocemos al protagonista de la cinta nos encontramos con un individuo sumergido en el sistema, con un aburrido y estable trabajo de oficina donde es una pieza más del sistema. 

Vive solo y pasa gran parte de su tiempo revisando catálogos de muebles de diseñador. La frase "...trato de decidir que comedor me define como persona" es un tremendo indicativo de que tan vacía y patética puede ser su existencia. Que mejor forma de expresar la soledad del individuo en la sociedad actual que hablar de los "amigos de una porción", gente que uno conoce, habla con ellos, intercambia opiniones y puntos de vista para después despedirse y no volver a verlos nunca más, olvidando al instante las conversaciones y momentos de simpatía compartidos momentos atrás.

Y eso es sólo una parte de los temas analizados en la película. La idea de la rebelión contra el sistema, del poder que el hombre común puede tener cuando presenta un frente unido ante las autoridades es a la vez esperanzadora y atemorizante. El sentimiento de abandono y desesperanza expresado por Tyler Durden como bandera de su rebelión, ese nada que perder, es algo que debiera ser motivo de reflexión para todos aquellos que vivimos en las grandes metrópolis del siglo XXI.

El simple hecho de que una película pueda incitar a la gente a pensar sobre cualquier cosa es algo de lo que me fascina del medio, y por ello es que Fight Club es una de mis películas favoritas de todos los tiempos.

Reseña: Rush (Rush, Pasión y Gloria)

Este blog se ha quedado bastante abandonado, y es algo que me gustaría cambiar. No pienso hacer promesas sobre regularidad en las publicaciones, pero poco a poco intentará ponerme al día con los libros y películas que no he comentado. Por lo pronto, una reciente.

Ron Howard es un veterano director, responsable de algunas películas bastante buenas (A Beautiful Mind, Frost/Nixon), pero también de algunas bastante mediocres (Cocoon, Far and Away, Ransom, Angels and Demons), así como de algunos documentales que van de aburridos a interesantes, pero su trabajo suele caracterizarse por una solidez digna de resaltar, así que para mí suele ser una cuestión de analizar el tema de la película o el material de origen, o de quien sea su guionista antes de decidir si voy a ver alguna de sus películas en el cine o no.

En el caso de su cinta más reciente, Rush (estrenada en México como Rush: Pasión y Gloria), se trata de la historia de la rivalidad de dos grandes pilotos de Fórmula 1, con un guión escrito por Peter Morgan. Morgan es el guionista de The Last King of Scotland, The Queen, The Other Boleyn Girl, y Frost/Nixon, así que eso cubría tema y guionista.

Tratándose de una historia basada en hechos reales, mi mayor preocupación, de inicio, hubiera sido que Howard cayera en lo que considero es el problema, por ejemplo, con Apollo 13, una de sus primeras películas exitosas: parece un documental. Afortunadamente, en el caso de Rush la historia no está basada en las memorias de nadie, y Peter Morgan ha demostrado que puede hallar ángulos interesantes desde los cuales contar esta clase de historias sin necesidad de caer en un simple relato de los hechos.

La historia cuenta la rivalidad de dos pilotos de carreras en los 1970s, James Hunt (Chris Hemsworth) y Niki Lauda (Daniel Brühl), cubriendo sus primeros enfrentamientos, su llegada a la máxima categoría del automovilismo deportivo, la Fórmula 1, y su legendaria pelea por el Campeonato Mundial de Pilotos en la temporada 1976. En vez de centrarse en contar sólo la competencia en la pista entre los dos pilotos, la película explora las opuestas personalidades de los protagonistas.

Hunt era un piloto apasionado y visceral, para quien la carga de adrenalina era la principal razón para competir en un deporte tan peligroso, o como se le cita en la película, "mientras más cerca te encuentras de la muerte, más vivo te sientes". En contraposición, Lauda siempre fue un piloto frío y calculador, para quien ser un piloto profesional era sólo una forma de ser exitoso al dedicarse a algo para lo que era bueno, aceptando los riesgos como parte inherente de la carrera de su elección. Y es precisamente el contraste entre los motivos y la manera de llevar sus vidas y carreras lo que hace que Rush sea mucho más que un simple docudrama deportivo.

Para poner la historia en contexto, habría que apuntar que ningún piloto de Fórmula 1 ha fallecido en una pista de carreras desde 1994, cuando Ayrton Senna sufriera un accidente fatal en el Gran Premio de Italia, pero entre 1970 y 1977 hubo once fallecimientos de pilotos de F1, ya sea en competencia, en pruebas calificatorias, o en las prácticas previas a una carrera. Decir que dos pilotos fallecían cada año parece una exageración, pero sumando otras categorías resulta una cifra muy cercana a la realidad de la época.

Para esta película, Howard reclutó los servicios de Anthony Dod Mantle, un experimentado cinematógrafo británico que ha colaborado frecuentemente con Danny Boyle, y el resultado es espectacular, pues no sólo logra capturar la atmósfera retro necesaria para una película ambientada hace cuarenta años, si no que lo hace de una manera tal que podríamos estar hablando del mejor trabajo visual de la carrera de Howard, empatando su búsqueda de un realismo visual con una manera interesante de mostrar las diferentes situaciones.

Mención especial merecen las actuaciones, sobre todo de Daniel Brühl, quien con una ligera ayuda prostética se convierte en una versión joven de Lauda, capturando a la perfección algunos de sus manerismos y su peculiar manera de hablar. A Hemsworth siempre se le ha criticado por considerarlo como un actor limitado, pero su carisma y energía capturan la esencia de la clase de playboy aventurero que fue Hunt.

La película resulta sumamente entretenida, lo cual siempre se agradece, pues es otra forma de distanciarse de los documentales que suelen seguir temáticas similares. El trabajo narrativo y de construcción de la historia está realizado de una manera tan buena, que incluso si son aficionados a la Fórmula 1 y conocen lo que ocurrió durante la mítica temporada de 1976, en la cual se centra el tercer acto de la película, se verán movidos por la forma en que está contada la historia.

Película sumamente recomendada, incluso si no les gustan el automovilismo o las carreras.

Repo Men

En las últimas semanas he tenido un poco abandonado el blog, publicando de una manera más errática y esporádica que lo que quisiera. He buscado la forma de reordenar mi tiempo libre a fin de actualizar de una manera más constante sin por ello descuidar mis colaboraciones para Comicverso o Pasión Sports, además de poder reavivar la casi extinta Hoguera de las Necedades, así que espero poder empezar con ello a partir de esta semana. Por lo pronto, otro de mis pendientes de cine.

Miguel Sapochnik no es un director con un volumen de trabajo para presumir. Repo Men (Los Recolectores) es el primer largometraje en un curriculum donde un cortometraje y un episodio de House son los únicos highlights. Previamente Sapochnik había trabajado como artista de storyboards, más notoriamente en dos proyectos de Danny Boyle: Trainspotting (La Vida en el Abismo), y A Life Less Ordinary (Vida sin Reglas). Bajo esa perspectiva, Repo Men está lejos de ser un mal primer esfuerzo, teniendo más elementos positivos que negativos.

En un futuro cercano la tecnología y la medicina han llegado al punto en que la espera para conseguir donadores de órganos ha desaparecido. Órganos artificiales pueden conseguirse fácilmente y con facilidades de pago, permitiendo que gente con enfermedades crónicas o terminales pueda acceder a piezas de repuesto siempre y cuando puedan pagarlas, y es ahí donde hay que poner énfasis. Las prótesis y órganos artificiales son fabricados por una compañía llamada "The Union", misma que se encarga del desarrollo, producción y distribución de los mismos y que además maneja el sistema de crédito y cobranzas que representa el verdadero negocio para la empresa.

El sistema de cobranza es bastante sencillo: recibes advertencias una vez que te empiezas a retrasar en los pagos, y unos cuantos días después de no haber cumplido por tercera vez con un pago la empresa está legalmente autorizada a recuperar los órganos en cuestión, sin que esto requiera la presencia de un cirujano o la necesidad de instalaciones y equipo estériles para realizar la extracción. El grupo de recolectores de la empresa está formado por antiguos militares y mercenarios, quienes realizan su trabajo con gusto y regodeándose en la violencia que este puede representar.

Uno de los mejores recolectores de The Union es Remy (Jude Law), un ex-militar casado y con un hijo, quien disfruta su trabajo a pesar de las fricciones que le provoca en casa con su esposa, Carol (Carice van Houten), quien insistentemente busca convencerlo de solicitar una transferencia al departamento de ventas. El mejor amigo de Remy desde la infancia, Jake (Forest Whitaker), también trabaja como recolector, y ambos comparten una amistosa competencia respecto a sus índices de recuperación, incluso saliendo en ocasiones juntos a buscar nidos de evasores.

Tras un accidente sufrido por una deficiencia en el equipo durante una recuperación, Remy despierta en una cama de hospital para hallar a su lado a Jake, y a Frank (Liev Schreiber), su jefe, en vez de a su esposa. Ambos le explican que durante su última recuperación sufrió un accidente que lo dejó muy mal, pero que ya se hizo todo lo necesario para dejarlo como nuevo. Horrorizado, Remy descubre que en donde antes estaba su corazón ahora se encuentra el modelo de más reciente lanzamiento de The Union, lo que significa que ha contraído una considerable deuda con la empresa.

Su esposa decide separarse de él, pues considera que todos sus problemas derivan de haberse rehusado a buscar un cambio de posición en la empresa, razón por la que Remy se muda a vivir al departamento de Jake. Mientras se recupera físicamente de su operación, Remy intenta trabajar en el área de ventas, pero pronto descubre que no tiene lo necesario para mentir de manera consistente a los clientes potenciales a fin de hacerlos firmar un contrato. Además, sus ingresos como vendedor no se comparan a lo que gana como recolector y difícilmente podrá mantenerse al corriente en sus pagos si no regresa a trabajar en las calles. El problema es que su corazón ya no está en ello.

Probablemente el hecho de verse reflejado en aquellos a quienes persigue le hace sentir dudas, dejando escapar a unos o simplemente ignorando su obligación de hacer algo que antes hacía con gusto y casi por instinto. Las semanas pasan y los avisos de retraso de pago empiezan a llegar sin que Remy de señas de poder volver a ser el mismo de antes. Finalmente decide que es hora de dejarlo todo y tratar de esconderse de sus antiguos compañeros. Así conoce a Beth (Alice Braga), una ex-cantante de bar, llena de adicciones y con más partes sintéticas de las que pudieran ser mencionadas de memoria. Juntos intentarán hallar el modo de evadir a los recolectores al tiempo que buscan la forma de eliminarse del sistema para poder dejar de huir, lo cual es un buen plan, al menos hasta que Jake es enviado a buscarlos.

La historia tiene esos tintes de distópico humanismo que tanto me gustan y que son característicos, por ejemplo, de las historias de Philip K. Dick (creo que la metáfora de cómo Remy solo encuentra sus sentimientos hasta que reemplazan su corazón por uno artificial es bastante obvia, pero no por ello menos agradable), y aún a pesar de lo disparejo del ritmo narrativo y de un par de detallitos en la dirección, la encontré muy disfrutable. Tal vez una edición más cuidada, o una última revisión externa al guión pudieron haber hecho que fuese realmente buena, pero no pudo ser. Aún así la encuentro cumplidora y con momentos sobresalientes.

Supongo que los detalles de ritmo y montaje son algo que Sapochnik podrá corregir con el tiempo, así que habrá que ver hacia donde va su carrera, pues el manejo de la cámara en las secuencias de acción, y la confianza con que logra infundir a la historia con un marcado humor negro sin necesidad de caer en la farsa me hacen creer que puede llegar a ser un talento notable en el cine de género. Probablemente lo que más me sorprendió de la película fue el talento actoral con que cuenta. Es de sobra conocida la capacidad de Law, Whitaker y Schreiber, en tanto que Braga ha sido una agradable sorpresa en las dos películas en que la he visto recientemente.

Recomendada para fans de la ciencia ficción, especialmente si son de los que extrañan el gore que adornaba al género hace un par décadas. Para el resto de la gente, véanla como una opción dominical de entretenimiento sin muchas pretensiones.