Oscar 2011: Mis predicciones

Esta noche se llevará a cabo la Octagésima tercera entrega de los Premios de la Academia, mejor conocidos como Oscar. Fieles a su tradición, las distribuidoras en México no han estrenado en nuestro país todas las películas nominadas, así que no he tenido oportunidad de verlas. Dado que de todos modos existen muchos factores en la toma de decisiones en la Academia que poco tienen que ver con las películas en si, y nada más por pura necedad, decidí hacer algunas predicciones sobre quienes podrían ganar las codiciadas estatuillas.

Dirección Artística
“Alice in Wonderland”
“Harry Potter and the Deathly Hallows Part 1”
“Inception”
“The King's Speech”
“True Grit”

Diseño de Vestuario
“Alice in Wonderland”
“I Am Love”
“The King's Speech” 
“The Tempest”
“True Grit”

Maquillaje
“Barney's Version”
“The Way Back”
“The Wolfman” 

Música (Original)
“How to Train Your Dragon” John Powell
“Inception” Hans Zimmer
“The King's Speech” Alexandre Desplat
“127 Hours” A.R. Rahman
“The Social Network” Trent Reznor y Atticus Ross

Música (Canción Original)
“Coming Home” from “Country Strong”
“I See the Light” from “Tangled”
“If I Rise” from “127 Hours”
“We Belong Together” from “Toy Story 3"

Edición de Audio
“Inception”
“Toy Story 3”
“Tron: Legacy”
“True Grit” 
“Unstoppable”

Mezcla de Audio
“Inception”
“The King's Speech”
“Salt”
“The Social Network”
“True Grit” 

Efectos Visuales
“Alice in Wonderland”
“Harry Potter and the Deathly Hallows Part 1”
“Hereafter”
“Inception” 
“Iron Man 2”

Edición
“Black Swan”
“The Fighter”
“The King's Speech”
“127 Hours”
“The Social Network” 

Cinematografía
“Black Swan”
“Inception”
“The King's Speech”
“The Social Network” 
“True Grit”

Documental (Largometraje)
“Exit through the Gift Shop” 
“Gasland”
“Inside Job”
“Restrepo”
“Waste Land”

Documental (Cortometraje)
“Killing in the Name”
“Poster Girl”
“Strangers No More”
“Sun Come Up”
“The Warriors of Qiugang” 

Cortometraje
“The Confession”
“The Crush” 
“God of Love”
“Na Wewe”
“Wish 143”

Cortometraje Animado
“Day & Night” 
“The Gruffalo”
“Let's Pollute”
“The Lost Thing”
“Madagascar, carnet de voyage (Madagascar, a Journey Diary)”

Largometraje Animado
“How to Train Your Dragon”
“The Illusionist”
“Toy Story 3” 

Película en Lengua Extranjera
“Biutiful” Mexico
“Dogtooth” Grecia
“In a Better World” Dinamarca
“Incendies” Canadá
“Outside the Law (Hors-la-loi)” Argelia

Guión Adaptado
“127 Hours”
“The Social Network” 
“Toy Story 3”
“True Grit”
“Winter's Bone”

Guión Original
“Another Year”
“The Fighter”
“Inception”
“The Kids Are All Right”
“The King's Speech” 

Actriz en rol de soporte
Amy Adams “The Fighter”
Helena Bonham Carter “The King's Speech”
Melissa Leo “The Fighter”
Hailee Steinfeld “True Grit”
Jacki Weaver “Animal Kingdom”

Actor en rol de soporte
Christian Bale “The Fighter”
John Hawkes “Winter's Bone”
Jeremy Renner “The Town”
Mark Ruffalo “The Kids Are All Right”
Geoffrey Rush “The King's Speech”

Actriz en rol protagónico
Annette Bening “The Kids Are All Right”
Nicole Kidman “Rabbit Hole”
Jennifer Lawrence “Winter's Bone”
Natalie Portman “Black Swan”
Michelle Williams “Blue Valentine”

Actor en rol protagónico
Javier Bardem “Biutiful”
Jeff Bridges “True Grit”
Jesse Eisenberg “The Social Network"
Colin Firth “The King's Speech”
James Franco “127 Hours”

Dirección
“Black Swan” Darren Aronofsky
“The Fighter” David O. Russell
“The King's Speech” Tom Hooper
“The Social Network” David Fincher
“True Grit” Joel Coen e Ethan Coen

Mejor Película
“Black Swan”
“The Fighter”
“Inception”
“The Kids Are All Right”
“The King's Speech”
“127 Hours”
“The Social Network” 
“Toy Story 3”
“True Grit”
“Winter's Bone"

Siempre he sido de la idea de que estos premios son solo una oportunidad para que la industria hollywoodense se de a si misma unas palmaditas en la espalda por lo bien que trabaja, así que no le doy tanta importancia a los resultados de la premiación. Aún así, cuando películas que disfrute se llevan algunas estatuillas es algo que me da gusto porque ello representa promoción que se traduce en ingresos adicionales para los responsables de su creación, y cualquier cosa que sirva para estimular y apoyar a los creativos talentosos debiera ser bienvenida y celebrada.

Lástima que la Academia haya hecho todo lo posible por sabotear cualquier posible aparición de Banksy, cuyo documental es el favorito para llevarse el premio en esa categoría. Sigo creyendo que lo mejor que pudiese ocurrirle a la ceremonia es que el controvertido artista hallase el modo de presentarse a recibir su premio de alguna manera poco ortodoxa, y aún cuando no pierdo la esperanza de que suceda tampoco me hago demasiadas ilusiones.

¿Podrá finalmente David Fincher llevarse una estatuilla? ¿Hará Christopher Nolan un berrinche si Inception solo se lleva premios técnicos? ¿Recibirán Trent Reznor y Atticus Ross el reconocimiento que se merecen? En unas cuantas horas lo averiguaremos. Disfruten la ceremonia.

Reseña: El Caballero del Jubón Amarillo - Pérez-Reverte

El quinto volumen de Las Aventuras del Capitán Alatriste lleva por título El Caballero del Jubón Amarillo y es el penúltimo libro de la saga que se ha publicado hasta el momento. Originalmente se suponía que la serie constaría de siete volúmenes, pero de acuerdo con Alfaguara y el mismo Pérez-Reverte ahora serán un total de ocho libros.

En esta ocasión Diego de Alatriste se mete en problemas por su relación amorosa con la actriz e intérprete María de Castro. La actriz es conocida, además de por su talento en el escenario, por brindar sus favores a cambio de dinero y regalos, todo con el consentimiento y beneplácito de su marido, también actor y quien además hace las veces de alcahuete. La naturaleza de la relación entre la de Castro y Alatriste es diferente, pues es bien sabido que el Capitán nunca ha gozado de una buena situación económica.

Las cosas se complican cuando el mismísimo Rey Felipe IV se interesa en las atenciones de la actriz, lo que representa un riesgo potencial para todo aquel que se interponga entre Su Majestad y la satisfacción de sus deseos y caprichos. Para complicar más aún las cosas, las intrigas en la Corte han llegado al punto en que algunos de los allegados al rey contemplan la posibilidad de cometer regicidio aprovechando las escapadas nocturnas del monarca. Estas intrigas tienen en su seno a algunos personajes ya conocidos de anteriores volúmenes: Gualterio Malatesta, Luís de Alquézar, Angélica de Alquézar y Fray Emilio Bocanegra.

El título del libro hace referencia a la indumentaria utilizada por el rey durante sus excursiones amatorias, pues a fin de poder moverse de incógito utilizaba un atuendo similar al de la guardia y soldadesca imperial de los Asturias, mismo que en teoría le permitiría pasar desapercibido al tiempo que aún se le podía identificar.

Al igual que en las dos novelas anteriores, el personaje de Iñigo Balboa, paje y compañero de aventuras de Alatriste, toma un papel protagónico en la historia. Su extraña y tormentosa relación con Angélica de Alquézar alcanza un punto del que no habrá vuelta atrás, y se hace evidente que ya no es el niño que conocimos en la primera novela, si no un joven capaz, para bien o para mal, de tomar sus propias decisiones y asumir las consecuencias de sus actos.

El nivel de las historias no decae y lo único que lamento es que con cada nueva entrega de Las Aventuras del Capitán Alatriste el final se encuentra más cerca. Una vez más recomiendo ampliamente esta excelente saga de aventuras que ofrece un vivaz retrato de la última etapa de la España Imperial, con todo su glamour, pero también mostrando que en ocasiones lo que brilla está ahí solo para distraer la atención de la mugre y suciedad sobre la que se encuentra. Muy recomendada.

Reseña: Black Swan

Hace apenas un puñado de años yo estaba listo para creer que Darren Aronofsky ya había dado todo de si en el cine. Tras un relampagueante ascenso a la fama en base a dos películas profundamente personales y oscuras: Pi (El Orden del Caos) y Requiem for a Dream (Requiem por un Sueño), su carrera tuvo un duro tropezón con la ambiciosa pero malograda y accidentada The Fountain (La Fuente). Cuando escribí mi reseña de esa película comenté que me parecía que el director había perdido la fuerza motivadora detrás de su trabajo, pues las herramientas técnicas y narrativas seguían ahí y en gran forma, pero la película se sentía hueca, sin vida.

Supongo que él mismo sintió algo similar, pues su siguiente proyecto, The Wrestler (El Luchador), fue uno con un enfoque más personal y menos cósmico, y en cual puso a trabajar lo aprendido en sus primeras películas y dejando de lado cualquier parafernalia innecesaria en lo referente a efectos visuales y/o al estilo de frenética y estridente edición que caracterizaron sus trabajos anteriores. Con Black Swan, Aronofsky da otro paso adelante al mezclar lo mejor de los dos mundos.

Black Swan (El Cisne Negro) hace con el mundo del ballet profesional algo similar a lo que The Wrestler hizo con el de la lucha libre, echando un vistazo a la crudeza que se esconde detrás del glamour y analizando una historia de alguien dispuesto a sacrificar cualquier otra faceta de su vida con tal de destacar en su propio arte.

La protagonista, Nina Sayers (Natalie Portman), es una bailarina perteneciente a una compañía neoyorquina que se apresta para iniciar una nueva temporada de presentaciones en el prestigioso Lincoln Center, y para quien pronto se abre una ominosa posibilidad, pues el director artístico de la compañía, Thomas Leroy (Vincent Cassel), ha decidido que es hora de revitalizar su espectáculo y para ello ha estado trabajando en un montaje nuevo y diferente de El Lago de los Cisnes, y ha decidido que elegirá a una nueva bailarina para llevar el protagónico de la puesta en escena, descartando y prácticamente forzando al retiro a Beth McIntyre (Winona Ryder), la antigua prima ballerina de la compañía.

Nina es una de las bailarinas más dedicadas de la compañía y, de acuerdo con el propio Leroy, es la candidata ideal para interpretar a Odette, el cisne blanco. Sin embargo, su afán perfeccionista, su forma tan controlada tanto de comportarse como de bailar, no van bien con los requerimientos del papel, pues necesita interpretar también a Odile, la gemela malvada de Odette y quien da nombre a la película, el cisne negro.

Leroy comienza a presionar a Nina para que esta aprenda a relajarse, a soltarse y dejar de buscar la perfección técnica en cada uno de sus movimientos. La relación entre ambos está cargada de una fuerte atmósfera sexual, pues además se da a entender en varios momentos que Leroy acostumbra involucrarse con sus estrellas y sus constantes provocaciones a Nina parecen encaminadas tanto a incitarla a que se suelte como a seducirla. Nina vive con su madre (Barbara Hershey), una bailarina retirada, quien la cobija y protege de manera excesiva, siendo en buena parte responsable por la contenida y fría personalidad de Nina.

Para complicar aún más las cosas a Nina aparece Lily (Mila Kunis), una bailarina nueva en la compañía recién llegada de San Francisco y quien para fines prácticos es todo lo opuesto a Nina: extrovertida, sensual, atrevida. Nina parece sentirse facinada por esta nueva competidora, probablemente porque más que ver su presencia como un reto o valorarla como su posible competencia, para ella representa un recordatorio de sus fallas y carencias, de lo que necesita llegar a ser para poder interpretar a los dos cisnes tal y como Leroy lo desea.

La película funciona en muchos niveles y aún a pesar de lo complejo de su estructura nunca pierde ritmo ni se siente pesada. Aronofsky construyó una pieza que narrativamente parece hacer ecos de la historia de El Lago de los Cisnes y la ilustra con toda clase de contrastes visuales, saltando de hermosas secuencias de ballet a crudas escenas de violencia y destrucción mientras la psicosis de su protagonista la va consumiendo.

La actuación de Natalie Portman es extraordinaria y se entiende porque ha ido arrasando con todos los premios para los que se le ha nominado y también porque se le considera como la gran favorita para llevarse la estatuilla dorada en la próxima entrega de los Oscar.

Black Swan no es una película perfecta, y creo que esa es precisamente parte de su encanto. Darren Aronofsky es de nueva cuenta una voz diferente en medio de un Hollywood cada vez más genérico y uniforme y ese solo hecho es digno de agradecer. Muy recomendada.

Reseña: True Grit

Los Hermanos Coen se cuentan desde hace varios años entre mis cineastas favoritos. Sus películas suelen ser imaginativas fábulas acerca de la condición humana y en más de veinte años esta singular pareja de escritores/directores/productores ha demostrado que pueden pasar de un género a otro sin mayor problema y presumiendo de una filmografía en la que prácticamente no hay nada que reprochar -hagamos de cuenta como que nunca hicieron el remake de The Lady Killers- y si mucho que elogiar.

Su primer gran roce con el éxito y reconocimiento fue gracias a Fargo (Fargo: Secuestro Voluntario), pero lo que muchos identifican como la cúspide de sus carreras es No Country for Old Men (Sin Lugar para los Débiles), cinta que arrasara con la gran mayoría de los premios cinematográficos hace unos años. Desde entonces han realizado apenas tres películas, todas ellas diferentes en tema y tono pero todas por igual perfectamente recomendables (Aquí pueden mis comentarios sobre Burn After Reading y A Serious Man). Este año True Grit se encuentra nominada a varios premios y es, junto a The Social Network y The King's Speech, una de las grandes favoritas para la próxima entrega de los Oscar.

True Grit (Temple de Acero) cuenta la historia de Mattie Ross (Hailee Steinfeld), una joven de catorce años que contrata a Rooster Cogburn (Jeff Bridges) un duro y veterano US Marshall, para que la ayude a rastrear y llevar a la justicia a Tom Chaney (Josh Brolin), un ex-empleado de su padre quien le robó y lo mató a sangre fría. Presuntamente Chaney se unió a una banda de asaltantes y está escondiéndose junto con ellos en medio de una nación piel roja. Se les une en la persecución LeBouf (Matt Damon) un marshall texano quien busca a Chaney por crímenes cometidos bajo otro alias en el estado de Texas.

Existía una versión anterior de True Grit, producida en los 1960s y protagonizada por John Wayne, quien si no mal recuerdo ganó -o al menos estuvo nominado- el Oscar como Mejor Actor por su interpretación de Rooster Cogburn. Esa película debo haberla visto en mi adolescencia y la verdad es que mentiría si dijera que la recuerdo bien, pero me inclino a pensar que no era tan buena como la versión de los Coen. Creo que algo que me gusta del trabajo de los hermanos es que en todas sus películas se puede sentir el amor que tienen por el medio, y True Grit no es la excepción.

La fotografía de la película es espectacular. Hay algunas tomas panorámicas que enfatizan la clase de paisajes que recuerdo haber visto en viejos westerns, así que imagino que debe haber muchas tomas que fueron planeadas pensando en emular u homenajear algunas películas clásicas, aunque no me atrevería a intentar adivinar cuales sean. Me queda la impresión de que los Coen decidieron hacer una película que fuese a la vez un homenaje y una despedida a un género prácticamente abandonado, y lo digo porque, sobre todo hacia el final de la película, sentí una nostalgia similar a la que me invadió cuando vi The Unforgiven, de Clint Eastwood.

Independientemente de si les gustan o no las películas de Ethan y Joel Coen, creo que True Grit es la clase de historia que puede disfrutar cualquiera sin importar sexo o edad, y esa clase de universalidad es algo cada vez más difícil de alcanzar en cualquier medio. Altamente recomendada.

Reseña: Next - Michael Crichton

Next es la última novela de Michael Crichton publicada antes de la muerte del autor, y debo decir que también es una de las más raras. Aún cuando se trata de una novela de ciencia ficción, el libro no tiene la usual estructura utilizada por Crichton en la gran mayoría de sus obras, pues normalmente se trata de thrillers con una narrativa lineal construida en torno a una situación de peligro y/o suspenso donde la amenaza tiene que ver con algún tema científico y cuyos personajes -en su mayoría científicos o investigadores- suelen trabajar en conjunto para intentar resolver la situación.

En el caso de Next no existe un conflicto inmediato que sirva como centro de la historia, si no que existen varias lineas argumentales aparentemente independientes pero con un tema común: ingeniería genética. Estas son las principales historias:

• Un hombre está demandando a una Universidad y un conglomerado farmacéutico por el uso comercial de sus células.
• Una empresa de bio-ingeniería enfrenta la amenaza de una toma hostil de parte de uno de sus principales inversionistas.
• Un investigador permite por descuido que su hermano, adicto a las drogas, aspire un virus con el que su compañía está tratando de insertar un gen dentro de seres humanos.
• Otro investigador descubre que un experimento no autorizado que realizó años atrás ha producido un híbrido de chimpancé-humano y que su "hijo" está a punto de ser eliminado para borrar todo rastro del experimento.
• Un perico africano que recibió tratamientos genéticos durante su incubación desarrolla habilidades matemáticas, pero se pierde como consecuencia de una disputa doméstica.
• Un orangután en las junglas de Sumatra llama la atención de prensa y turistas por su capacidad para dirigir insultos en francés y holandés a aquellos visitantes que hostigan a su manada.

Eventualmente muchas de esas historias se entremezclan y llegan a una resolución en común.

Otro punto en que Next se diferencia notoriamente de otras novelas de Crichton es el tono en que está escrita, pues en lugar de ser un thriller o una historia de aventuras, pareciera tratarse de una sátira. La novela tiene personajes mínimamente desarrollados y en muchas partes parece estar escrita en tono de parodia, abusando de toda clase de clichés en torno a corporaciones, abogados, fuerzas policiacas e intrigas políticas. Algunos críticos parecen convencidos de que no todo el humor presente en el libro es intencional, pero dado lo exageradamente ridículo de algunas de las situaciones presentadas es impensable que el autor no lo viese de esa manera.

Por otro lado, Crichton solía utilizar sus libros para divulgar su postura sobre diversos temas científicos -situación que solía enfrentarlo con ciertas facciones de la comunidad científica-, y Next no es la excepción. Buena parte de la novela sirve para argumentar en contra del exceso de patentes concedida a escuelas y laboratorios en la investigación genética con fines médicos. La oficina de patentes de los Estados Unidos ha concedido una gran cantidad de ellas sobre genes específicos y sobre células de pacientes que presentan una especial resistencia y/o inmunidad a diversos padecimientos.

Crichton pensaba que lo ideal sería que la investigación genética con fines médicos debiera conservarse como libre, a fin de permitir que los investigadores tuviesen acceso al trabajo de sus pares y predecesores, enriqueciendo el proceso de investigación y acelerando el desarrollo de avances médicos derivados de la misma, lo cual me parece una posición bastante centrada y sensata. Sin embargo, esa postura acarreó al libro toda clase de críticas entre abogados, científicos e investigadores, quienes han censurado y criticado el libro en diversas ocasiones.

A fin de cuentas Next constituye un interesante trabajo de uno de los más prolíficos e interesantes autores de ciencia ficción de las últimas décadas, y aún cuando puede considerársele como una obra menor en la bibliografía de este extraordinario escritor, me parece que se trata de un libro actual e interesante que, independientemente de sus valores literarios y/o narrativos, constituye, al menos, un interesnate punto de partida para meditar y discutir sobre una de las disciplinas de investigación más relevantes en la actualidad. Altamente recomendado.

The Green Hornet

The Green Hornet, conocido en México como el Avispón Verde, es un héroe originado en un serial radiofónico creado en los 1930s que duró más de quince años al aire. Desde entonces el personaje se ha mantenido vigente gracias a una serie de televisión y a múltiples interpretaciones en otros medios, más notablemente en comics, sobre todo en fechas recientes.

Hace casi veinte años que Hollywood intentaba llevar al personaje a la pantalla grande, pero de manera infructuosa, habiendo tenido como presuntos protagonistas a George Clooney, Greg Kinnear, Mark Wahlberg y Jake Gyllenhaal, además de haber involucrado en uno u otro momento a directores como Michel Gondry, Kevin Smith y Stephen Chow además de incontables guionistas.

Finalmente, la versión que se estrenó hace algunas semanas fue dirigida por Michel Gondry (la primera vez hubiese sido su debut cinematográfico, ahora fue su cuarto largometraje) sobre un guión de Evan Goldberg y Seth Rogen, con éste último fungiendo además como productor ejecutivo y protagonista de la película, situación que probablemente sea la causa de los desastrosos resultados.

The Green Hornet (El Avispón Verde) cuenta la historia de Britt Reid (Rogen), el irresponsable hijo de James Reid (Tom Wilkinson), dueño y editor del Daily Sentinel, uno de los más prestigiados diarios de Los Angeles. Britt vive de fiesta en fiesta y los escándalos, para molestia de su padre, son cosa cotidiana. Cuando su padre fallece, todo mundo parece esperar que finalmente decida sentar cabeza y se haga responsable del diario, pero eso no va a suceder. En vez de ello Britt decide dejar el diario en manos del veterano editor que fue la mano derecha de su padre durante años (Edward James Olmos), y dedicarse a seguir con sus asuntos sin preocuparse por el resto del mundo.

Sin embargo, todo cambia cuando conoce a Kato (Jay Chou), el mecánico y asistente personal de su padre. Convencidos de que tienen mucho en común, se emborrachan platicando sobre todo lo que les molestaba del viejo Reid y deciden tomar una pequeña venganza póstuma desecrando el monumento recién erigido a su padre. En el proceso de cometer su fechoría, Britt y Kato evitan que una pandilla asalte a una pareja, solo para ser perseguidos por la policía.

Britt convence entonces a Kato de dedicarse a combatir el crimen mientras se hacen pasar por criminales, naciendo así el Avispón Verde. Britt decide también tomar las riendas del Sentinel, aunque sea solo para ensalzar la imagen del Avispón como un peligroso y ambicioso criminal, lo cual no cae muy bien con Chudnofsky (Christopher Waltz), el líder del bajo mundo angelino.

Lo que sigue es hora y media de una película que no decide lo que quiere ser, pues no satisface ni como comedia ni como película de acción. Creo que el principal problema es Rogen, quien parece convencido de que es talentoso, carismático y divertido, pese a que su filmografía es evidencia de todo lo contrario. Su personaje no genera ni simpatía ni empatía y, de hecho, parece ensalzar la xenofobia y misoginia como cualidades divertidas. Habla sin parar y no tiene una sola línea de diálogo que sirva para avanzar o enriquecer la historia.

El talento de los veteranos actores que lo acompañan y el carisma de Chou no bastan para compensar por la avaricia de Rogen, quien decide convertirse en el centro de cada maldita escena, lo cual es una verdadera lástima, pues había potencial para hacer que la película funcionara. La dirección de Gondry no es mala, pero lo irregular del guión afecta al resultado final. No existe desarrollo de personajes entre las secuencias de acción, y dado que la buddy comedy que pretendían crear entre Britt y Kato no funciona la película tiene más altibajos que una montaña rusa.

Tal vez se pregunten por qué no he mencionado a Cameron Diaz, quien interpreta a Lenore Case, la secretaria de Britt. Y no es que la haya olvidado, pero dado que no supieron que hacer con el personaje yo no encuentro nada que decir sobre ella, pues pareciera ser que la agregaron al elenco solo cuando se dieron cuenta de que no había personajes femeninos y el único uso que le hallaron fue convertirla en un vehículo para mostrar que tan cretino y misógino es el personaje de Britt.

Si les gusta el humor que maneja Seth Rogen en otras de sus películas, puede que no encuentren tan decepcionante The Green Hornet. De otro modo me temo que pasaran un rato lamentando las dos horas de su vida que desperdiciaron en ella, y más aún si decidieron pagar extra para verla en 3D. Yo no lo hice, y aún así me siento estafado. Lo peor de todo es que ni siquiera creo que sea una mala película, pero peor aún, la encuentro totalmente inconsecuente e imperdonablemente olvidable.

Reseña: Splice

Vincenzo Natali se ganó el reconocimiento de la crítica hace más de diez años gracias a su película Cube (El Cubo), cinta de ciencia ficción que se ha convertido en un clásico de culto para los amantes del género y la cual generó interés suficiente como para ameritar la producción de una secuela (Cube 2: Hypercube) y una precuela (Cube Zero), aunque Natali no tuvo relación directa con ninguna de esas dos películas. Tras el éxito de Cube, el director pretendía filmar a continuación Splice, pero se desanimó al darse cuenta de que la tecnología de efectos especiales aún no estaba lista para permitirle hacer la película como él quería.

Durante la década pasada Natali mantuvo un perfil bajo, trabajando mayormente en TV y dirigiendo solo un par de largometrajes (que no he visto) y un segmento de la excelente antología Je T'Aimé Paris (París Te Amo), pero evidentemente no había renunciado a hacer esta película, misma que finalmente pudo realizar en el 2009 para su estreno en casi todo el mundo el año pasado. En México, como es costumbre, tuvimos que esperar muchos meses más para poder verla en cartelera.

Splice (Experimento Mortal) cuenta la historia de Clive Nicoli (Adrien Brody) y Elsa Kast (Sarah Polley), una pareja de ingenieros genéticos quienes han logrado grandes avances en una técnica de empalme de ADN, produciendo especies híbridas capaces de producir diversas proteínas con un gran valor para la industria farmacéutica. A pesar del éxito que han obtenido en sus experimentos, la empresa que mantiene sus experimentos decide desmantelar su laboratorio para ponerlos a trabajar en una forma de utilizar comercialmente su trabajo. A pesar de ello, Clive y Elsa deciden continuar con sus experimentos en secreto, mezclando los híbridos que ya tenían con ADN humano.

A pesar de que en principio ambos discuten sobre las implicaciones de su trabajo y deciden que no piensan seguir el experimento hasta sus últimas consecuencias, pues solo desean demostrarse a sí mismos que pueden hacerlo, la situación se va complicando y ambos terminan con un dilema ético de enormes proporciones. Pronto resulta evidente que su ego y su curiosidad científica son más fuertes que su sentido común y el experimento se sale de control, llevando a término la gestación de un ser que no debiera haber tenido jamás oportunidad de vivir.

Más fuerte aún que el conflicto moral que plantea la historia, la película centra su enfoque en la psicología de sus personajes centrales, en la manera en la que lidian con su relación y en sus ideas y conflictos en torno a la paternidad y las relaciones familiares. La elección de Brody y Polley para los papeles principales fue un toque de genialidad de Natali, pues durante los primeros dos tercios de la película el drama es soportado por sus sobrias interpretaciones de dos científicos fríos y calculadores por fuera, pero llenos de conflictos internos demasiado complejos para expresarlos con palabras.

Lamentablemente la película decae en su parte final, pues la historia empieza a volverse predecible y a caer en toda clase de lugares comunes, lo que impide que pudiese haber llegado a ser la clase de películas que con el tiempo se vuelven auténticos clásicos de la especulación científica. Afortunadamente lo positivo es demasiado como para ser completamente ignorado y la película resulta una interesante mezcla de ciencia ficción inteligente, horror científico con tintes de gore, y b-movie de esas que uno disfruta a pesar de todos sus defectos.

Pareciera ser que la genética era el tema subyacente en mi vida cuando vi esta película. Justo acababa de terminar de leer Next, de Michael Crichton -que también trata del tema y sobre la que ya comentaré más a fondo próximamente-, además de haberme topado con notas en diferentes sitios y de haber tenido una discusión en casa sobre enfermedades hereditarias, pero eso es tema aparte.

Altamente recomendada para los amantes de alguno de los géneros mencionados más arriba, o bien para aquellos con ganas de ver algo al menos un poco diferente a la producción hollywoodense de cajón.

NFL 2010: Empacadores de Green Bay campeones

El domingo por la noche la NFL volvió a hacer historia en la televisión mundial cuando más de 111 millones de espectadores sintonizaron el juego que definió al campeón de la temporada 2010 de la NFL. Los Empacadores de Green Bay consiguieron su cuarta victoria en un Superbowl y su treceavo campeonato de la NFL al derrotar a los Acereros de Pittsburgh por 31-25 en un emocionante duelo que no decepcionó a los fans.

El juego comenzó con las dos defensivas manteniendo a raya a las ofensivas contrarias durante las primeras series, aunque eso cambió con la segunda posesión de los Empacadores, quienes montaron una sólida serie ofensiva que culminó con un pase de anotación de Aaron Rodgers a Jordi Nelson. En su prisa por responder, Ben Roethlisberger intentó un pase largo en la primera jugada de su siguiente serie pese a encontrarse en una comprometida posición en el terreno de juego. Al momento de soltar el pase fue golpeado en el hombro y su lanzamiento se quedó más corto de lo que hubiese querido, siendo interceptado por Nick Collins, quien lo devolvió 37 yardas hasta la zona de anotación para tomar una ventaja de 14-0 tras la consecución del punto extra.

En el segundo cuarto los Acereros lograron montar una ofensiva de control de balón que consumió más de 7 minutos, pero se tuvieron que conformar con un gol de campo para poner el marcador 14-3. Luego de detener a Green Bay en tres jugadas, los Acereros iniciaron otra serie ofensiva de control, pero esta culminó con la segunda intercepción a Roethlisberger en el partido.

Cuatro jugadas después los Empacadores convertían el balón perdido en puntos, ahora mediante un pase de 21 yardas de Rodgers a Greg Jennings para poner el marcador 21-3. Pittsburgh respondió con otra buena serie ofensiva que culminó con un pase de anotación de 8 yardas de Roethlisberger a Hines Ward, mismo que puso el marcador 21-10 antes de irse al descanso.

La segunda mitad inició con un redoblado esfuerzo de la defensiva de Pittsburgh por emparejar el encuentro. Durante el tercer cuarto consiguieron limitar el desempeño de los Empacadores a solo un primero y diez, en tanto que su ofensiva consiguió otra anotación, esta vez por la vía terrestre con un acarreo de 8 yardas de Rashard Mendenhall que les permitió acercarse en el marcador 17-21, además de haber fallado un largo intento de gol de campo que los pudo haber puesto a solo un punto del empate.

El cuarto y último periodo inició con los Acereros en territorio rival, pero un certero golpe de Clay Matthews despojó a Mendenhall de la posesión del balón y Green Bay recuperó el mismo y con él el momento psicológico del juego. El costo de esta nueva pérdida de balón fue de otros 7 puntos, producto del tercer pase de anotación de la noche de Aaron Rodgers, el segundo para Greg Jennings.

A pesar de haberse ido abajo nuevamente por 11 puntos los Acereros no bajaron los brazos y en su siguiente posesión recorrieron más de 70 yardas para culminar con un pase de anotación de Roethlisberger a Mike Wallace, que complementado con una jugada optativa para la conversión de 2 puntos los acercó a solo un gol de campo del empate.

Los Empacadores respondieron con una ofensiva sostenida buscando acabarse el reloj, pero a pesar de haber llegado hasta la yarda 5 de los Acereros se tuvieron que conformar con un gol de campo que puso el marcador 31-25. Con menos de dos minutos por jugar los Acereros fueron incapaces de mover el balón y no pudieron siquiera cruzar el medio campo antes de entregar el balón de vuelta, permitiendo a los Empacadores cerrar una brillanter actuación con la llamada "formación de la victoria".

Se trató de un muy buen juego entre dos equipos competitivos, en el cual lució enormemente la defensiva de Green Bay, quienes con las tres pérdidas de balón provocadas marcaron la diferencia en el juego. Aaron Rodgers fue designado como el jugador más valioso del encuentro, sacudiéndose de una vez por todas cualquier fantasma del pasado que lo pudiese perseguir y afirmándose como uno de los mejores QBs de la liga.

Dada la juventud del equipo no es descabellado pensar que tendrán oportunidad de pelear por volver a disputar el campeonato en otro Superbowl, así que desde ahora hay que marcarlos como uno de los aspirantes más serios a representar a la NFC en Indianápolis el próximo año. Eso, claro, suponiendo que la liga y la asociación de jugadores puedan resolver sus diferencias y firmar un nuevo contrato colectivo que impida que la temporada 2011 se realice con normalidad. Pero eso ya será tema de futura discusión.

Felicidades a los Empacadores de Green Bay, vencedores en el Superbowl XLV y dignos campeones de la temporada 2011 de la NFL.

NFL 2010: Superbowl XLV

La temporada 2010 llega a su fin esta noche cuando los Acereros de Pittsburgh enfrenten a los Empacadores de Green Bay en el Superbowl XLV. ¿Podrán los Empacadores llevar el trofeo Vince Lombardi de vuelta a casa, o serán los Acereros el primer equipo en tener una segunda dinastía de campeones? Eso es algo que descubriremos esta noche.

Los Acereros llegan luego de una campaña regular llena de altibajos, desde el impresionante inicio de temporada que tuvieron a pesar de no haber podido contar con Ben Roethlisberger en los primeros cuatro juegos, hasta algunas derrotas que crearon toda clase de dudas respecto al potencial y desempeño del equipo. En la postemporada realmente no hay nada que criticarles. En un duro juego lograron superar a los Cuervos de Baltimore para llegar hasta la final de conferencia, donde su defensiva demostró por qué esta nueva versión de la Cortina de Acero es tan temida y respetada en la liga, además de confirmar una vez más que Ben Roethlisberger es un QB que se crece ante la presión y puede realizar las jugadas necesarias para obtener el triunfo aún si sus estadísticas no son muy brillantes.


Por su parte, los Empacadores tuvieron una difícil temporada a causa de las múltiples lesiones que mermaron al equipo y pusieron a prueba la profundidad del plantel en varias posiciones. Aaron Rodgers demostró que está listo para ser considerado entre la élite de los QBs de la liga, convirtiéndose en la figura principal de una de las ofensivas más explosivas de la liga. La defensiva suele ser ignorada por público y prensa especializada porque juega a la zaga de ese ataque, pero se trata de una unidad agresiva y oportunista que ha florecido bajo las órdenes de Dom Capers a pesar de la juventud del plantel.

Sin duda el juego de hoy será emocionante y muy disputado, con ambas defensivas tratando de establecer un dominio físico sobre sus oponentes y las ofensivas intentando establecer un ataque terrestre que les permita desplegar todas sus variantes ofensivas lo más rápido posible. Los duelos por posiciones serán fundamentales, pues veremos en acción no solo a dos de las defensivas más agresivas de la liga, si no también a dos de los cuadros de receptores más explosivos y peligrosos de la liga. En teoría los Acereros cuentan con un mejor ataque terrestre, pero no hay que descontar el tándem que los Empacadores descubrieron en la postemporada con Khun y Starks.

Cualquiera de los dos equipos que consiga la victoria será sin duda un digno campeón, aunque personalmente me inclino a pensar que la energía detrás de los Empacadores bastará para poder superar a la experiencia de los Acereros, llevando de vuelta el campeonato a Green Bay y permitiendo que Aaron Rodgers se sacuda de encima de una vez por todas la sombra del legendario Brett Favre.

Sea como sea, debiera ser un gran juego. Disfrútenlo.

Sensibilidades patrioteras y reacciones desmedidas

El domingo pasado se transmitió en el Reino Unido el primer programa de la nueva temporada de Top Gear, un programa producido por la BBC que se transmite en muchas partes del mundo -incluido México- y dedicado mayormente al mundo de los automóviles. Esta emisión en particular ha generado una oleada de comentarios debido a que en una sección del programa los conductores hicieron algunos comentarios sobre México y sus habitantes que pueden resultar ofensivos para algunas sensibilidades.

Los comentarios en cuestión se dieron mientras los conductores del programa, Jeremy Clarkson, Richard Hammond y James May, reseñaban el auto deportivo mexicano Mastretta MXT. Primero hicieron algunas bromas sobre el origen y el nombre del auto, con Clarkson afirmando en primera instancia que se llamaba "Tortilla". Después, Hammond lanzó los comentarios que iniciarían la polémica. "¿Por qué querrías un auto mexicano? los autos reflejan las características nacionales...", dijo Hammond, quien a continuación remató con una serie de estereotipos: "Los autos mexicanos van a ser flojos, irresponsables, flatulentos y pasados de peso. Los encontrarás recargados en una cerca, durmiendo, y encarando un cactus mientras portan a manera de capa una sábana con un agujero en el centro".

Esto provocó algunas reacciones de manera inmediata. El embajador de México en el Reino Unido, Eduardo Medina Mora, envió una carta a la BBC exigiendo una disculpa pública, en tanto que los medios mexicanos condenaron en diferentes tonos los irresponsables comentarios de los conductores del popular programa. Instituciones como el Instituto Mexicano de la Radio incluso amenazaron con bloquear inmediatamente cualquier clase de contenido originado por la BBC -aunque después se retractaran de dicha amenaza- en tanto que la opinión pública se lanzó a las redes sociales a contraatacar y a iniciar campañas a favor de un boicot contra la emisora británica y sus producciones.

He de decir que todo esto me parece una tormenta en un vaso de agua. Efectivamente, los comentarios de estos conductores fueron irresponsables y de mal gusto, y seguramente quienes se sintieron ofendidos están en todo su derecho, pero creo que se trata de una muestra más de la incongruencia que suele gobernar nuestros actos, además de otro preocupante ejemplo de lo fácil que es desviar la atención de la población hacia temas triviales sin importancia en lugar de preocuparse por asuntos verdaderamente relevantes.

Mientras todo mundo se rasgaba las vestiduras por expresiones vertidas en un programa de entretenimiento que, por cierto, nunca se ha caracterizado por su clase o por el respeto manifiesto hacia los demás, nadie se percató de que nuestro país se había ganado una nota en la primera plana del New York Times bajo el encabezado "Masacres en México, pese a Afirmaciones de Progreso", el cual hacía un recuento de las ejecuciones y asesinatos ocurridos en las primeras semanas del año en diversas plazas del país como parte de la Guerra contra el narco en que la administración actual ha invertido tantos esfuerzos y recursos.

El día de ayer The Economist publicó un texto de su corresponsal en México, en el cual el autor expresa su convicción de que se trató de una maniobra calculada por la BBC. La BBC es una dependencia pública gubernamental, y es de sobra conocido que cuenta con un limitado presupuesto para sus operaciones, razón por la que rara vez invierten en publicidad. Aparentemente la emisora acostumbra buscar el modo de causar polémica en diferentes programas cuando éstos inician una nueva temporada o se encuentran necesitados de mejorar su rating, con la idea de obtener un poco de cobertura gratuita en publicaciones tanto dentro como fuera del territorio británico. Si bien es cierto que esto puede sonar a un intento por excusar el comportamiento de los conductores del programa, me parece que no es una idea que se deba descartar tan a la ligera. Después de todo se trata de una técnica que incluso era aplaudida por una de las más grandes figuras de la historia del entretenimiento nacional, María Félix, quien acostumbraba expresar, "que hablen, aunque sea bien".

Top Gear es un programa que se distingue de otras producciones dedicadas a los autos precisamente por la forma en que es conducido. Sus titulares han viajado por todo el mundo y en todas partes bromean con los estereotipos del lugar, e incluso lo han hecho dentro de su propio país, haciendo mofa de las costumbres de algunas regiones o de la horrible cocina que tienen en la mayor parte de su país. ¿Es de mal gusto? Creo que si. Pero nunca ha pretendido ser de otra manera. Personalmente confieso que lo veo ocasionalmente y lo encuentro bastante divertido, aunque nunca lo mencionaría como un ejemplo de lo que una emisión televisiva debiera ser.

A fin de cuentas creo que se trata de un problema de educación, y eso es algo a lo que no se le ve una solución cercana. En principio, porque no tenemos ingerencia alguna en el sistema educativo británico y mucho menos en su legislación para contenidos en medios. Segundo, porque en ese caso necesitaríamos empezar de manera doméstica, erradicando el uso de estereotipos que tan popular es en nuestro país. ¿O acaso no crecimos todos sabiendo que los argentinos y uruguayos son unos egocéntricos insoportables, los gallegos unos estúpidos sin límite, los estadunidenses una bola de güeros chancludos e ignorantes, además de un largo etcétera? No hace mucho Televisa tuvo una campaña en la que nos mostraba como todos los habitantes de África son caníbales chaparros y negros, y hasta donde sé nadie del comité organizador del Mundial de Sudáfrica emitió queja alguna.

Por otro lado, quisiera comentar algo sobre el auto que originó todo este asunto. El Mastretta MXT fue diseñado por los hermanos Carlos y Daniel Mastretta, y se trata de un auto deportivo de apariencia compacta. Fue presentado en octubre pasado en el Salón del Automóvil de París y se espera comience a venderse este año en México y en el Reino Unido. Tiene un peso de 930 kg y cuenta con un motor de cuatro cilindros de 2.0 litros turbocargado, capaz de generar 250 caballos de fuerza y 257 libras pie de torque. Alcanza una aceleración de 0 a 100 kilómetros por hora en sólo 4,9 segundos.

Fue desarrollado con apoyo del Programa Avance-Emprendedores, operado por el Consejo Nacional de Ciencia y Tecnología (Conacyt), además de la aceleradora de empresas Techba-Michigan, de la Fundación México-Estados Unidos para la Ciencia. Y esto es lo que me brinca un poco. El Conacyt opera con fondos del erario público, y se supone tiene por obligación incentivar el desarrollo científico y tecnológico en el país apoyando proyectos viables que puedan ayudar al desarrollo del país. ¿En serio necesitábamos desarrollar autos deportivos? ¿No había algún proyecto de autos de bajo consumo de combustible, o impulsados por tecnologías limpias que fuera más útil a las necesidades del país? Creo que es verdaderamente ofensivo que se invierta el dinero de nuestros impuestos en un proyecto tan vano como este, que solo sirve para acicalar el ego de sus creadores, quienes pueden decir orgullosos que "en México si se pueden contruir autos deportivos. Que vergüenza.

Reseña: Crooked Little Vein - Warren Ellis

Warren Ellis es, desde hace muchos años, uno de mis escritores de comics favoritos. Su trabajo fue además la razón por la que empecé a desempeñarme como traductor, y supongo que el proceso de adaptar sus palabras al español me hizo apreciar el proceso detrás de sus historias. Ellis siempre ha sido un autor que imprime en su trabajo sus ideas y pensamientos sobre toda clase de cosas. Sus opiniones pueden resultar demasiado políticas para el gusto de muchas personas, pero a mi siempre me ha parecido uno de los rasgos más interesantes de su trabajo, pues tengo la idea de que muchas de las mejores obras creativas, en cualquier arte y/o género, son un reflejo del mundo en que fueron creadas.

Cuando hace unos años Ellis anunció que tenía un contrato para escribir una novela, la idea me intrigó. Todo lo que había leído de su prosa eran ensayos, columnas de opinión, y una que otra historia corta aparecida en su blog o su LiveJournal, así que no tenía idea de lo que pudiera resultar de una novela. El libro, Crooked Little Vein, apareció hace un par de años y resultó toda una sorpresa.

La novela es protagonizada por Michael McGill, un miserable detective privado que se queja todo el tiempo de ser un imán de problemas. McGill es contratado por el Jefe de Staff de la Casa Blanca para buscar un importante libro: La Constitución de los Estados Unidos. Pero no la versión oficial que todo mundo conoce y cita constantemente, si no la verdadera, la que incluye enmiendas invisibles y tiene el poder de reprogramar el subconciente colectivo de toda la nación. Supuestamente fue creada por los fundadores de la Patria como un respaldo, un plan de emergencia que les ayudase a solucionar cualquier problema que atentase contra su experimento de nación independiente.

Armado con una lista de pistas sobre el destino del libro, una casi ilimitada cuenta de gastos y una pequeña pero poderosa computadora portátil, McGill se lanza en busca del mítico volumen. El suyo es un viaje al corazón de la subcultura norteamericana, donde es imposible encontrar la diferencia entre perversiones, locura y crimen. Lo acompaña en su búsqueda Trix, una atractiva y desinhibida joven a quien conoce en un festival de cine fetichista de monstruos gigantes.

Juntos deberán decidir que hacer una vez que encuentren el libro, pues aún cuando se puede considerar que la sociedad norteamericana está enferma, a veces es necesario dejar que la fiebre siga su curso en lugar de provocarle un coma al paciente en espera de que su organismo se reponga e inicie de cero, como si nada hubiese ocurrido. El humor negro y cáustico de Ellis no es para todo el mundo, así que no me atrevería a recomendar esta novela a todo mundo. Sin embargo, si les sirve como referencia, creo que pueden hallarle cierto parecido con algunos trabajos de Chuck Palahniuk. También pueden leer el capítulo dieciséis de la novela en el mencionado LJ del autor para hecerse una idea más clara.

Para quien esté familiarizado con el trabajo de Ellis, en particular lo realizado fuera del mainstream superheroico de las grandes editoriales, no debieran resultar tan impactante las vívidas y grotescas descripciones que aparecen frecuentemente a lo largo del libro. Ellis siempre ha tenido una fascinación por la subcultura americana y es difícil decidir si la odia o la ama, y ello se ve reflejado en el libro. Su estilo narrativo es sumamente ágil y Crooked Little Vein resulta en una lectura rápida y entretenida para aquellos con el estómago suficiente como para tolerar el contenido del libro.

Recomendada pero con reservas.

Reseña: Unstoppable

Tony Scott es un director cuyo peculiar estilo visual no es muy de mi agrado. Creo que las películas de entre su filmografía que más me gustan son las más viejas que conozco: The Hunger (El Ansia) y Top Gun, quizás porque muchos de sus manerismos visuales aún no estaban presentes. De su trabajo en los 1990s también me gustan True Romance (La Fuga) y Crimson Tide (Marea Roja). Sus películas más recientes las encuentro un tanto formulaicas y propensas a excesos visuales, aunque he de reconocer que en ocasiones esos excesos se prestan adecuadamente a las necesidades de la historia que está contando, como puede ser el caso de su corto Beat the Devil, de la serie The Hire patrocinada por BMW, o el de Unstoppable (Imparable), su más reciente producción.

Unstoppable está inspirada en hechos reales -afirmación solo parcialmente correcta, por cierto- y cuenta la historia de un tren fuera de control en una zona poblada y de los valientes ingenieros y conductores que intentan detenerlo. Un error humano provoca que un tren de 47 vagones y transportando material tóxico quede fuera de control en el norte de Pennsylvania, limitando las opciones de la compañía sobre como detenerlo sin provocar un desastre.


Connie Hooper (Rosario Dawson), la supervisora de vías de la compañía, se encuentra maniatada por los ejecutivos de la corporación, quienes están más preocupados por los efectos económicos y de relaciones públicas que el incidente puede costar a su compañía que por el potencial desastre que su tren puede ocasionar. Frank Barnes (Denzel Washington), un experimentado ingeniero ferroviario, y Will Colson (Chris Pine), un joven conductor, deciden intentar ayudar pese a la oposición de la empresa, así que a bordo de una segunda locomotora se lanzan en persecusión del tren para tratar de engancharse a éste por detrás e intentar reducir su velocidad utilizando los frenos de su propia máquina.

Como suele ocurrir en esta clase de historias, los hechos se dramatizan con cierta exageración y se agregan dramas personales en las vidas de los protagonistas a fin de ofrecer a la audiencia una forma más compleja de entretenimiento, en este caso una disputa doméstica en el caso de Will y una complicada situación laboral y sindical en el caso de Frank.

El a veces estridente estilo visual de Scott se presta excepcionalmente bien a las tomas del tren fuera de control, permitiendo exaltar la amenaza que representa lo que de otra manera sería una aburrida masa de toneladas de acero moviéndose sobre las vías. Es de resaltar también el inteligente y efectista diseño del audio de la película, pues ayuda a generar la sensación de alarma y peligro necesaria para que la audiencia se sienta involucrada con la historia. De hecho, la película recibió una nominación al Oscar en esa categoría. La impecable ejecución técnica de la película es lo que la mantiene, y pese a tratarse de una historia bastante simple nunca se siente ni remotamente similar a los docudramas televisivos que suelen ocuparse de esta clase de historias.

Más arriba mencioné que era solo parcialmente cierto que se tratase de una historia real. En 2001 se presentó en Ohio un caso de un tren que quedó fuera de control en las mismas circunstancias que el de la película y el cual pudo ser controlado utilizando un método similar al aquí mostrado luego de que recorrió más de cien kilómetros y atravesó tres condados de aquel estado sin reportar ningún lesionado o daños materiales. Los nombres de la compañía ferroviaria y de las personas involucradas en el incidente no son los mismos que se muestran en la película, por lo que supongo es seguro afirmar que se trata de entes totalmente ficticios creados con fines dramáticos. Esa es la diferencia entre decir que se trata de una historia inspirada en hechos reales y afirmar que está basada en los mismos.

Unstoppable es una interesante opción de entretenimiento y a mi juicio resulta también lo mejor que Tony Scott ha hecho en mucho tiempo. Recomendada.