LOL (Laughing Out Loud)

Hace algún tiempo que descubrí  que cada vez que el cine parece estar inusualmente lleno, la solución es revisar bien la cartelera en busca de películas europeas y/o asiáticas, pues en ellas rara vez se agotan los boletos. Muchas veces lo que puede parecer un último recurso resulta en una satisfactoria sorpresa, o en el peor de los casos representa al menos una oportunidad para romper un poco con la creciente monotonía que prevalece en el cine hollywoodense contemporáneo.

Ese es el caso de LOL (Laughing Out Loud), una película sobre adolescentes y la brecha generacional que por momentos parece una comedia costumbrista. Lola (Christa Theret), apodada LOL (como el slang utilizado en internet para referirse a la risa) por sus amigos, es una joven de dieciseis años que está pasando por esa complicada etapa de la adolescencia donde lidiar con la escuela, los amigos, el amor y los padres parece algo imposible de superar. El primer día de clases Lola discute con Arthur (Felix Moati), su novio, y termina con él, lo que resulta en insospechadas complicaciones pues Maël (Jérémy Kapone), el mejor amigo de Arthur, es también el mejor amigo de Lola.

Mientras Lola empieza poco a poco a enamorarse de Maël, pero la amistad entre éste y Arthur hace que su relación se desarrolle mayormente en secreto y fuera de la escuela. La tensión entre el trío de adolescentes es templada debido a las múltiples amistades que comparten, pero las notas de Lola sufren por su falta de atención en clase ante tantas distracciones. Las cosas en casa no son fáciles aún sin añadir su bajo rendimiento académico, pues Anne (Sophie Marceau), su madre, no hace mucho divorciada, parece tener un amorío... con su ex. Y si Lola tiene problemas para lidiar con su vida, su madre no se queda atrás, pues necesita hallar el punto de equilibrio entre sus necesidades como mujer independiente y sus obligaciones como madre.

El tema principal de la película parece ser la brecha generacional, pues además de explorar la relación entre Lola y Anne, contraponiendo sus conflictos a la cercana relación que siempre han llevado y con la presencia de la madre de Anne para dar mayor perspectiva al asunto, también muestra la tensa relación entre Maël, más interesado en vivir la vida de la manera más simple posible y en escribir y tocar canciones que en estudiar y pensar en su futuro, y su padre, aparentemente un cuadrado empleado de oficina preocupado porque su hijo deje de soñar y asuma las responsabilidades que él considera debieran ser su prioridad.

Supongo que el único problema real que tiene la película es que al final se siente un tanto superficial, pues a pesar de que tiene momentos muy buenos donde invita a reflexionar sobre la naturaleza de las relaciones humanas e incluso llega a funcionar como un comentario social sobre los papeles que se esperan de hombres y mujeres en distintas situaciones sociales, el desarrollo de personajes o la complejidad de sus relaciones nunca llega a ser el suficiente como para que se le pueda considerar relevante. El resultado final es una disfrutable película que resulta ideal para verse en compañía de su pareja.

Encuentro curioso que a pesar de que actúan varias chicas lindas en la película, sigo encontrando mucho más atractiva a Sophie Marceau. Ha de ser signo de la edad.

The Strain

Guillermo del Toro es uno de los directores de cine más respetados en la actualidad, sobre todo cuando de géneros fantásticos se trata. Del Toro acostumbra escribir sus propios guiones, ya sea él solo o colaborando con alguien más, pero esto es diferente. The Strain es una novela escrita a cuatro manos con Chuck Hogan, autor de suspenso que hace unos años ganara el premio Hammett por su novela Prince of Thieves, misma que acaba de ser adaptada al cine en una película a estrenarse el próximo otoño bajo el título de The Town. The Strain es el primer libro de una trilogía que será completada por las aún inéditas The Fall, y The Night Eternal, programadas para ser publicadas este verano y el del 2011, respectivamente. El libro apareció publicado de manera simultánea en inglés y en español, en este último idioma bajo el título de Nocturna. (En español las otras dos partes se llamarán Oscura y Eterna).

The Strain es una novela de vampiros que se desarrolla en la ciudad de Nueva York en el presente, y resulta una sorprendentemente fresca adición a los mitos de vampiros en la cultura popular. La historia empieza con un inusual homenaje al Dracula de Bram Stoker, cuando un avión proveniente de Alemania aterriza en el aeropuerto JFK y se queda en la pista frente a los hangares, completamente quieto y a oscuras. Cuando las autoridades abordan la nave para averiguar la causa, encuentra a toda la tripulación y los más de doscientos pasajeros muertos. Se designa como responsable de la investigación al Dr. Ephraim "Eph" Goodweather, patólogo del Centro de Control de Enfermedades (CDC por sus siglas en inglés), pues se cree que las muertes fueron causadas por algún virus fulminante. Pero la verdad es muy distinta.

Tras una revisión exhaustiva se descubren cuatro sobrevivientes, tres pasajeros y un copiloto, quienes empiezan a desarrollar síntomas extraños antes de ser liberados del hospital debido a que no existe razón alguna para retenerlos. Entra en escena Abraham Setrakian, un anciano de origen rumano que tiene una casa de empeño en la ciudad y quien parece estar familiarizado con el parásito que Eph intenta identificar, informándole que su problema no es un virus, pero también empieza con la letra V. Renuente en un principio a aceptar la idea de que los vampiros son reales y Nueva York se encuentra al borde de una catastrófica infestación, Eph pronto es convencido tras encontrarse cara a cara con los "supervivientes" del vuelo.

La combinación de los talentos de del Toro y Hogan es evidente en la forma en que está construida la novela, misma que mantiene un ritmo vertiginoso en todo momento, construyendo y explotando el suspenso página a página y contando con muchas escenas fáciles de visualizar, dando la sensación de estar leyendo una película. Algunos elementos de la historia me recuerdan también las incursiones vampíricas anteriores de del Toro, como la inusual fisiología de los vampiros (Blade II), o la presencia de un anciano millonario dispuesto a cualquier cosa en busca de la inmortalidad (Cronos). Los personajes principales son interesantes y están muy bien desarrollados, en tanto que los personajes de soporte sirven su función de una manera eficiente, con algunos de ellos integrándose a la parte central de la historia de un modo que permite vislumbrar una mayor participación en el resto de la trilogía.

El usar Nueva York como locación para la historia me parece una excelente idea, pues no solo se trata de una gran ciudad con población originaria de muchas partes del mundo, lo que le da una identidad cultural muy especial, si no que además cuenta con uno de los sistemas de túneles más grandes en el mundo, lo que lo convierte en una base de operaciones idónea para seres que buscan evitar a como de lugar la luz del sol. En ese aspecto me recordó un poco a The Light at the End, otro excelente libro de vampiros que ya comenté alguna vez por aquí. Me gustó mucho la forma en que aceptan algunas de las convenciones del género (el antiguo mal que viene de Europa del Este, el anciano profesor que será la némesis del monstruo) y las mezcla con ideas originales para crear una mitología propia única sin por ello dejar de hacer guiños a historias más tradicionales.

The Strain es una gran novela que debiera resultar del agrado de los aficionados a los vampiros, a la ciencia ficción, o a los thrillers de suspenso, pues tiene un poco de todo ello y usado de buena manera. En tono me recuerda un poco a algunas otras novelas de vampiros en entornos contemporáneos, como 'Salem's Lot, The Hunger, o la mencionada The Light at the End. Lo único malo es que resulta tan envolvente y sobrecogedora su lectura que será difícil esperar por la aparición de las sigueintes partes. Altamente recomendada

The Haunting of Molly Hartley

Creo que uno de los géneros más maltratados por Hollywood en los últimos años es el horror.. No quiero pretender que el género tuvo una época de oro o que se trate de uno abiertamente respetado, pero dentro de su nicho de mercado uno sabía que había un cierto código para hacer películas con cierta honestidad. Podías tener horror psicológico, gore, slashers, etc, y siempre sabías que esperar de cada uno de esos subgéneros. Vamos, incluso cuando una película de horror es mala siempre existe la posibilidad de que sea lo suficientemente mala como para casi ser buena.

Pero tal parece que eso se acabó. Los grandes estudios parecen haberse dado cuenta de que el nicho de mercado en cuestión no era ni pequeño ni insignificante y decidieron atacarlo inmisericordemente. El resultado de ese esfuerzo pudo apreciarse durante la pasada entrega de premios de la Academia, donde en medio de un "homenaje" al género pudimos ver escenas hasta de Twilight. Entiendo que hay películas que desde su concepción van enfocadas a cierto sector del público y que no siempre estoy incluído en el, pero creo que toda película de género debiera tener un mínimo de características generales que permitiesen que cualquier aficionado al mismo pudiese disfrutarla. Ese no es el caso de The Haunting of Molly Hartley.

En The Haunting of Molly Hartley (La Profecía del Diablo), Molly es una adolescente que acaba de mudarse junto con su padre a una nueva ciudad. En su primer día en su nueva escuela Molly vive todo lo que uno esperaría de un melodrama adolescente: llega tarde a clases; atrae al galán de su grupo ganándose la inmediata enemistad de su novia, tiene su momento de tensión con el director y evade su primera cita con la consejera escolar. Además de ganarse la amistad de la fanática religiosa de la escuela, claro.

Poco a poco y de manera muy lenta, vamos descubriendo algunos datos del pasado de Molly. Aparentemente tiene varios meses que escucha voces, y esa conducta llevó a su madre a la locura, al grado de que intentó matarla diciéndole que era por su bien y por el del mundo, pero fallando en el intento y terminando recluída en una institución mental. Desde entonces Molly sufre de pesadillas, aunque estas parecen no tener nada que ver con sus alucinaciones auditivas, mismas que a mitad de la película pretenden ser desechadas mediante una explicación racional, misma que soluciona el problema como por cinco minutos, lo cual no está tan mal tomando en cuenta que Molly regresa a clases un día después de someterse a una operación en el cerebro.

Lo que sigue son spoilers, pero si los leen y con ello evitan ver la película les garantizo que es en su propio beneficio.

La madre de Molly escapa del sanatorio donde se encontraba con el fin de matar a Molly antes de que cumpla dieciocho años, para lo cual solo falta un día. Antes de atacarla decide explicarle la razón para todo, contándole que cuando su embarazo llegaba a termino perdió al bebé. Molly murió antes de nacer, en el baño de un restaurante.

Una mujer se le presentó a sus padres ofreciéndoles regresarla a la vida, explicándoles que viviría felizmente con ellos durante dieciocho años pero pasado ese tiempo se convertiría en uno de "ellos". O lo que es lo mismo, le vendieron el alma de Molly al Diablo a cambio de que viviera.

Y eso no es lo peor, pues pronto descubrimos que la mayoría de la gente alrededor de Molly sabía lo que ocurría y que incluso algunos forman parte de "ellos". La verdad es que no me alcanzan las palabras para explicar que tan malo resulta este pobre y patético refrito de El Bebé de Rosemary predigerido para la generación RBD/90210. La historia se sostiene apenas con alfileres, los diálogos son malos, usa cuanto cliché de película de fantasmas puede apretar dentro de su poco menos de hora y media de duración, y por si fuera poco remata con uno de los finales más ridiculamente estúpidos que haya visto jamás. Para pretender ser una película de terror falla con demasiada obviedad en muchos sentidos. Nunca vemos una manifestación de poderes sobrenaturales, ninguna aparición, nada. Ni siquiera algún acto indescriptiblemente malvado de parte de alguno de los personajes de soporte. Absolutamente nada.

En este caso no me sorprende que tardaran tanto en estrenarla en nuestro país (es una producción de 2008), si no que la estrenaran de cualquier modo, pues no merece siquiera un lugar en los botaderos de remate de b-movies. Resulta extraño, pero creo que sin siquiera haber completado el primer cuarto del año, ya vi la peor película y leí el peor libro que vaya a ver o leer este año. Porque, honestamente, no creo poder alcanzar tan bajos niveles otra vez en mucho tiempo.

Glitz

Elmore Leonard se ha convertido en muy poco tiempo en uno de mis escritores favoritos, pues aún cuando solo he leído tres de sus novelas eso me basta para darme cuenta de que su estilo me es muy agradable y que disfruto mucho la clase de historias que gusta de contar, idea reforzada por las películas basadas en sus libros. El que terminé más recientemente se titula Glitz.

Glitz se desarrolla entre Puerto Rico y Atlantic City. El Detective Vincent Mora, del Departamento de policía de Miami Beach, resulta herido en un altercado con un asaltante, razón por la que decide pasar el término de su licencia médica en Puerto Rico. Ahí conoce a una hermosa prostituta llamada Iris Ruíz con quien entabla una breve relación afectiva. Iris le pide que la lleve con él cuando regrese a los Estados Unidos porque siempre ha sido su sueño vivir ahí, pero ante la negativa de Vincent, Iris deja de frecuentarlo. Iris encuentra otra manera de cumplir su sueño y emigrar al continente cuando logra llamar la atención de Tommy Donovan, dueño del más lujoso hotel y casino de la isla, quien le ofrece trabajo en uno de sus casinos de Atlantic City.

Feliz, Iris emigra a lo que espera sea una nueva y mejor vida. Sin embargo, sus sueños de triunfar en América se verán frustrados tras la aparición en escena de Teddy Magyk, un violador enviado a prisión siete años atrás luego de que Vincent lo arrestase. Magyk pretende vengarse del detective pero al preferir no enfrentarlo decide atacarlo de otro modo, dedicándose durante semanas a espiarlo en Puerto Rico. Cuando el detective lo descubre se las arregla para amedrentarlo y forzarlo a regresar a los Estados Unidos.

Al toparse Magyk con Iris en el aeropuerto y recordando haberla visto con Vincent, Magyk cree haber hallado el modo de atraer al detective y poder consumar su venganza, con Iris convertida en la víctima colateral de sus planes. Vincent decide interrumpir sus vacaciones para ir a Atlantic City, donde la escena se complica al involucrar una red de juego ilegal fuera de los casinos, la presencia de unos narcotraficantes colombianos en busca de lavar su dinero, y una serie de intrigas al interior del casino para el que trabajaba Iris, donde una lucha por el control se desata entre Tommy Donovan y su esposa Nancy.

Creo que no hay mucho que pueda decir de la prosa de Leonard que no haya mencionado antes. Su estilo es dinámico y ameno y la caracterización de los personajes mayormente a partir de los diálogos es impecable. Sus personajes resultan tan atractivos como siempre. Algo que tenía entendido que hacía en algunas de sus novelas pero no había podido constatar hasta ahora era el establecer varias de ellas en el mismo universo, por llamarlo de algún modo. Aquí tiene una breve participación el detective Buck Torres, quien tenía una participación algo más extendida en Pronto, novela que comenté por aquí anteriormente.

Hablando de Pronto, se acaba de estrenar en Estados Unidos una serie de televisión titulada Justified, donde el protagonista es el marshall Raylan Givens, quien fuera el protagonista de esa novela. Los comentarios que me encontrado sobre el episodio de estreno son alentadores, así que espero pronto sea posible ver esa serie en nuestro país. Y ahora que menciono adaptaciones de la obra de Leonard, resulta que Glitz, publicada en 1985, fue adaptada como película para televisión en 1988 con un joven Jimmy Smits en el papel de Vincent, lo cual me causa cierta curiosidad pero no tanta como para intentar buscarla.

Repito mi recomendación anterior: si encuentran algún libro de Elmore Leonard, cualquiera, comprenlo o pidanlo prestado, les aseguro que no se arrepentirán.

Shutter Island

Martin Scorsese es uno de los directores norteamericanos más respetados en la actualidad y con justa razón. Su filmografía está compuesta por una veintena de películas de diversos géneros y el nivel general de calidad siempre ha sido bastante alto, pudiendo incluso darse el lujo de decir que cuenta ya con algunos clásicos legados para la posteridad. A pesar de la variedad de géneros en que ha trabajado, el suspenso o el terror psicológico no son recurrentes en su obra, siendo Shutter Island el primer esfuerzo en ese sentido desde hace casi veinte años, cuando dirigiera el excelente remake de Cape Fear (Cabo de Miedo).

Shutter Island  (La Isla Siniestra) está ambientada en los 1950s y sigue a los marshalls federales Teddy Daniels (Leonardo DiCaprio) y Chuck Aule (Mark Ruffallo) mientras visitan el sanatorio Ashecliffe, un centro de retención para criminales mentalmente dañados. El hospital se encuentra en Shutter Island, una isla en las cercanías de Boston donde se construyó el hospital aprovechando unas instalaciones de la época de la guerra civil norteamericana. La razón de que se requiera la presencia de los oficiales en la isla es la misteriosa desaparición de una de las internas, quien aparentemente se desvaneció sin dejar rastro alguno a pesar de las fuertes medidas de seguridad existentes en las instalaciones de la isla.

Al llegar a la isla por protocolos de los centros penitenciarios se les recogen sus armas a ambos oficiales, quienes a regañadientas acceden a esta condición y se entrevistan con el médico a cargo de Ashecliffe, el doctor John Cawley (Ben Kingsley), quien a pesar de ofrecerse a prestarles toda la asistencia que requieran parece estar más preocupado por no permitirles hurgar demasiado en el funcionamiento interno del sanatorio. Esto despierta las sospechas del marshall Daniels, quien aparentemente tenía razones previas para considerar que algo raro ocurría en la isla con sus inusuales pacientes.

La investigación sobre la desaparición no tiene hacia donde ir. Imposibilitados de interrogar al médico encargado o de acceder a los registros de personal del hospital, los dos agentes empiezan a pensar que su presencia en la isla, pese a lo poco bienvenida que resultó, pudiese no ser una casualidad, empezando a temer por su seguridad y sus posibilidades de abandonar la isla.

La película tiene una atmósfera oscura y decadente, con un diseño de escenarios y vestuarios impresionante, recreando la época de la película de una manera asombrosa. Scorsese opta por contar la historia a un ritmo semilento pero lleno de intención, lo que da un cierto aire noir que resulta muy atractivo. La historia empieza a dar giros constantes, pasando de ser un misterio policial a un drama de conspiraciones y luego a un thriller psicológico, para después alternar de uno a otro entremezclándolos con una facilidad que solo años de experiencia tras la cámara pueden justificar.

La historia, a pesar de pasar un par de momentos donde requiere demasiada colaboración del espectador para sostenerse, funciona. Claro está que es más efectista que efectiva, jugando con la percepción que la audiencia tiene de la situación de maneras no muy creativas pero bien realizadas, lo que ayuda a que al final salga bien librada. Tratándose de una película de Martin Scorsese creo que quedó a deber, pues termina siendo más un ejercicio estilístico que un arriesgado proyecto narrativo como los que acostumbrara hacer el buen Marty hace algunos años.

Es de destacar el buen nivel de actuaciones con que cuenta la cinta, pues además de los tres actores antes mencionados aparecen como soporte Max Von Sydow, Patricia Clarkson, Ted Levine, Michelle Williams, Elias Koteas, Emily Mortimer, John Carroll Lynch y el cada vez más prominente Jackie Earle Haley. La combinación de buena dirección con buenas actuaciones y una excelente ambientación ayuda a que el flojo guión de la película se convierta en una preocupación menor, permitiendo que Shutter Island resulte lo suficientemente interesante y entretenida como para valer las casi dos horas y media que requiere del espectador. Sin embargo, es sin duda una obra menor dentro de la filmografía de Scorsese, quien tal debiera pensar en algún proyecto especial para reavivar su carrera antes de caer de lleno en la autocomplacencia.

Crazy Heart

La última de las películas con nominaciones al Oscar que vi antes de la ceremonia de entrega fue Crazy Heart, misma que me llamaba la atención únicamente porque quería saber a que se debía tanto escándalo y revuelo mediático en torno a la actuación de Jeff Bridges como para ameritar que se diera por un hecho que sería el ganador de la codiciada estatuilla tras no haberlo conseguido en sus cuatro nominaciones anteriores.

A lo largo de los años Bridges se ha convertido en un sólido actor de soporte, aunque a lo largo de su carrera ha tenido algunos momentos de brillantez en papeles estelares. El último de ellos que recuerdo fue hace ya varios años cuando estelarizó The Big Lebowski, y antes de eso creo que sería su actuación en The Fisher King (Pescador de Ilusiones), hace casi vente años. Sin embargo, debo decir con toda honestidad que Crazy Heart sería una película sentimentaloide del montón, de no ser por las extraordinarias actuaciones de Jeff Bridges y su coestrella, Maggie Gyllenhaal.

Crazy Heart (Loco Corazón) cuenta la historia de Bad Blake (Bridges), un compositor y cantante de música country que ha dejado atrás sus mejores días, teniendo que hacer presentaciones en bares y boliches de pequeños pueblos para ganarse la vida. Blake se encuentra en un profundo estado de depresión, misma que intenta ignorar o esconder refugiándose en el alcohol y las mujeres que conquista en los bares en que se presenta.

A pesar de todos sus problemas y pesares, todo parece estar a punto de cambiar cuando conoce a Jane Craddock (Gyllenhaal), una reportera de un diario local a quien conoce antes de una de sus presentaciones. La fuerte atracción que sienten mutuamente empieza a convertirse en una relación afectiva que podría representar el camino hacia la estabilidad en la vida del otrora exitoso cantante. Blake empieza a frecuentar la casa de Blake, entablando una relación también con Buddy, el pequeño niño de cuatro años de Jane, producto de un matrimonio fracasado anteriormente.

Al mismo tiempo Blake recibe una oferta ara ser el acto telonero en un concierto masivo de Tommy Sweets (Colin Farrell), un exitoso cantante que alguna vez fuese discípulo y protegido de Blake. Renuente en un principio a aceptar porque considera que ser el acto de apertura para Sweets sería la admisión de que su carrera acabó, Blake termina por acceder al pensar en las múltiples oportunidades que esa actuación le puede generar. Feliz y sintiendo que finalmente la vida le ofrece una oportunidad de enderezar el rumbo, Blake invita a Jane y a Buddy a pasar unos días con él en su casa en Houston.

La visita parece ir muy bien, hasta que el alcoholismo de Blake provoca una situación difícil y amarga para los tres. Convencido de que su vida no puede seguir así, Blake decide ingresar a un programa para desintoxicarse y abandonar el alcohol de una vez por todas, aún sin saber si todavía puede salvar su relación con Jane.

Evidentemente la historia no es nada original o inovadora, Películas de gente que atraviesa problemas de adicciones y pierde oprtunidades, trabajo y/o familia hay muchas y pocas merecen un segundo vistazo, pero el verdadero acierto de Scott Cooper, un actor secundario con varios años de experiencia en la industria y quien con esta película debuta como guionista y director, fue el enfocar su guión a los personajes, olvidándose de intentar infundir una moraleja en la historia, además de haberse rodeado de la gente adecuada para la realización de la película, desde los actores seleccionados para interpretarla, hasta el staff detrás de la producción.

Nunca he sido gran aficionado a la música country -supongo que lo único que hay en mi colección son algunos albumes de Johnny Cash y alguno que otro sencillo de diversos artistas- pero hay que reconocer el gran trabajo detrás de la música de la película, empezando por el extraordinario compositor y productor T. Bone Burnett, quien ha colaborado con artistas com Elvis Costello, Los Lobos, Roy Orbison, B.B. King, y Alison Krauss & Robert Plant, además de haberse encargado de la supervisión musical y producción de las bandas sonoras de muchas películas y series de tv.

Crazy Heart es una buena película sin exageraciones. No le va a cambiar la vida a nadie, pero la razón más importante para que merezca ser vista es la actuación de Jeff Bridges. Si les gusta además la música country, puede resultar incluso más disfrutable.

Little Brother

Cory Doctorow es un escritor canadiense que probablemente sea más conocido para muchos por sus actividades como blogger, siendo parte del equipo original de editores y colaboradores del popular y excelente blog de tecnología y actualidad Boing Boing. Doctorow es también conocido por su labor como activista a favor de liberalizar las leyes de copyright y promover el uso de las licencias Creative Commons, asociándosele frecuentemente con fundaciones como la Electronic Frontier Fundation (EFF). Muchos de sus artículos y conferencias tratan sobre temas como la compartición de archivos, los derechos digitales y otros aspectos de la cultura digital.

A pesar de lo fácil que resulta leer cualquiera de sus libros -todos ellos se encuentran disponibles íntegramente en su sitio web en una variedad de formatos para descargar o leer en línea- solo había leído algunas historias cortas publicadas en distintos sitios web. Por recomendación de mi buen amigo Santiago decidí empezar la tarea de ponerme al día con su trabajo con Little Brother, novela publicada en el 2008 y disponible desde entonces en su sitio web.

Little Brother tiene lugar en un futuro cercano (casi inminente, de hecho) y cuenta la historia de Marcus, un joven de diecisiete años que asiste a la preparatoria en San Francisco, California. Bajo el nick de w1n5t0n, Marcus se ha hecho de cierta fama en su comunidad por su habilidad como hacker, esforzándose constantemente en frustrar los mecanismos de control y vigilancia implementados por las autoridades escolares. Una de sus actividades favoritas es participar en el Harajuku Fun Madness, un juego que combina búsquedas en el mundo real con problemas para resolverse en línea. Marcus se escapa de la escuela en compañía de su amigo Darryl para reunirse con Jolu y Vanessa, el resto de su equipo de HFM, y participar en una nueva etapa del juego.

Mientras los cuatro jóvenes se encuentran en la calle, un atentado terrorista vuela el puente de la Bahía y una sección del sistema de tránsito de la Bahía (BART, por sus siglas en inglés). En medio del caos que sigue a las explosiones, Darryl es herido en medio de una multitud. Preocupados por su salud, sus amigos deciden arriesgarse a algún castigo o sanción y solicitar la ayuda de las autoridades. Sin embargo, el vehículo que se detiene ante ellos está tripulado por personal militar, mismo que somete y detiene a los jóvenes.

Separado de sus amigos y tratado como un criminal, o más aún, como un terrorista, Marcus descubre eventualmente que el Departamento de Seguridad Doméstica (DHS) del gobierno de los Estados Unidos es quien lo tiene detenido. Tras varios días de interrogatorios y tortura psicológica, Marcus es liberado junto con Jolu y Vanessa, pero ignoran el destino o paradero de Darryl. Advertido de no decir a nadie donde estuvo ni con quien, Marcus le cuenta a sus padres que se había quedado varado al otro lado de la bahía e imposibilitado de comunicarse.

Pronto Marcus se da cuenta de que su laptop fue intervenida y de que se han incrementado las medidas de seguridad en las calles y en su escuela. Determinado a no dejarse amedrentar y a dar con el paradero de Darryl, Marcus crea una nueva red como alternativa a la cada vez menos privada internet, haciendo uso de una consola genérica de videojuegos XBox Universal y de un sistema operativo encriptado y de alta seguridad conocido como Paranoid Linux, Marcus, bajo la nueva identidad virtual de M1k3y, poco a poco convence a los jóvenes de su escuela y de otras partes de la ciudad de utilizar el mismo sistema, apodado entre ellos XNet, para mantener las narices del gobierno fuera de sus actividades online, iniciando al poco tiempo un movimiento de resistencia civil a las cada vez más intrusivas acciones del DHS.

La novela fue concebida para funcionar como una versión contemporánea del clásico de George Orwell Nineteen Eighty-Four (misma que comenté aquí hace unos años), y de había viene el título del libro, un claro homenaje al Big Brother de aquel clásico del mismo modo que w1n5t0n hace alusión a Winston Smith, el protagonista de la misma novela. La mezcla de tecnología actual y real con desarrollos aún no existentes pero totalmente plausibles a corto plazo resulta fascinante incluso si uno no está tan al día con la actualidad tecnológica, y muchos de los puntos que Doctorow explora en la novela son de gran interés para todos aquellos que pasamos una parte de nuestras vidas conectados a internet.

Si bien la sensación de paranoia ante la intrusión del gobierno en nuestras actividades diarias es un poco más suave viviendo en un país eternamente en vías de desarrollo, me parece importante prestar atención a algunos detalles de nuestra vida diaria que normalmente ignoramos o pasamos por alto. Ahora que se encuentra en marcha la campaña de vacunación contra la influenza he escuchado y leído toda clase de teorías conspiranoicas sobre como la enfermedad no existe y la campaña actual solo es un pretexto para que el gobierno pueda inyectarnos a todos un chip que le permita monitorear todos nuestros movimientos y actividades ¿Para que molestarse en algo tan complejo si puede rastrear las operaciones de nuestras tarjetas de crédito o débito o forzar el acceso a la información de nuestras cuentas de telefonía celular?

Personalmente me encantó la novela, pues está llena de ese sentimiento de rebeldía adolescente que uno jamás debiera olvidar del todo, recordando al lector la importancia de la individualidad y de los derechos básicos que a veces olvidamos. Creo que es un libro que todo mundo debiera leer, pero especialmente los adolescentes, mismos que en este país parecen tener la idea de que ser independiente y oponerse al sistema significa no ir a la escuela, ofender a cualquier autoridad que les de la espalda un momento o pintarrajear y destruir propiedad privada. Por lo pronto a mi me deja con una ganas tremendas de leer el resto de las obras de Doctorow.

Pueden descargar el libro en prácticamente cualquier formato concebible desde la página de descargas ubicada en el minisitio de la novela dentro de la página oficial del autor. De momento solo está disponible en inglés, pero uno nunca sabe.

Edge of Darkness

Mel Gibson no tenía un papel estelar desde hacía varios años (si la memoria no me falla la última película donde actuó debe haber sido Signs (Señales) de M. Night Shyamalan. Desde entonces se había dedicado principalmente a su carrera como director con cierto éxito y aceptación. Edge of Darkness recibió un fuerte apoyo promocional basado en la premisa del "regreso de una estrella", pero luego de verla supongo que la podemos considerar como "el regreso de una celebridad", porque tampoco da como para entenderla como "el regreso de un actor".

Edge of Darkness (Al Filo de la Oscuridad) está basada en una exitosa y aclamada miniserie transmitida por la BBC en 1985, y fue dirigida por el veterano neozelandés Martin Campbell, quie dirigiera también dicha miniserie. El guión de esta adaptación fue escrito por William Monahan y Andrew Bovell. Campbell es un director a quien podría calificarse como entretenido, pues esa es la característica principal de la gran mayoría de sus películas, entre las que podría menconar GoldenEye, The Mask of Zorro (La Máscara del Zorro), Vertical Limit (Límite Vertical), y Casino Royale. No conozco nada del trabajo de Bovell, pero Monahan ha escrito películas como The Kingdom of Heaven (Cruzada), The Departed (Los Infiltrados), y Body of Lies (Red de Mentiras), así que llegué al cine con expectativas de ver una película más entretenida que compleja. Lamentablemente me decepcionó, y mucho.

Tom Craven (Gibson) es un detective de Boston quien recibe la visita de su hija Emma (Bojana Novakovic), una graduada del Tecnológico de Massachussetts que trabaja en una empresa que realiza investigaciones de energía nuclear para el gobierno. Cuando ella es asesinada en la puerta de su casa, todo mundo piensa que fue un accidente y que el objetivo del asesino era el detective. Cuando la investigación sobre quien podría tener motivos para querer matarlo no arroja ningún indicio, Craven decide investigar un poco acerca del trabajo de su hija en la corporación Northsmoor, pero al toparse con el hermetismo de Bennet (Danny Huston), el director de la compañía, se ve forzado a hurgar en las actividades de la compañía, adentrándose en un mundo de intriga política y conspiraciones gubernamentales.

Quiero pensar que la miniserie original resulta mucho más compleja e interesante que la película, pues ésta tiene un enorme problema que pudiese definirse como una crisis de identidad. La historia del policía que al no encontrar justicia decide buscar venganza puede no ser muy original pero bien hecha resulta satisfactoriamente entretenida, y en ese aspecto la película no tiene mayor pero, pues Campbell parece tener una idea muy clara de como funcionaría una versión actualizada de Death Wish (El Vengador Anónimo). Las persecuciones y tiroteos están bien montadas y son lo que mantiene a flote a la película la mayor parte del tiempo.

Sin embargo, la parte de la trama que involucra un complot entre la compañía de investigación y el gobierno de los Estados Unidos es la que no termina de funcionar. El complot es demasiado simple como para resultar interesante, y entre más oscuro y complejo pretenden hacerlo parecer, más ridículo resulta. Tal vez por las restricciones de tiempo que tiene la película en contraposición a la miniserie, pero las revelaciones se van dando a cuenta gotas pero de manera precipitada, afectando la credibilidad de la trama. Tampoco ayudan mucho las actuaciones, pues Danny Huston ha demostrado una y otra vez que tiene un rango muy limitado y ni hablar de Gibson, quien nunca se ha caracterizado por sus dotes histriónicas.

Si se trata de perseguir y amenazar gente, o participar en tiroteos, está en su elemento. Pero cuando se trata de mostrar emociones o sacar su parte dramática, no hay como ayudarlo. Me parece frustrante que alguien con más de treinta años de carrera a ambos lados de la cámara no sea capaz de hacer una escena convincente de llanto, limitándose a hiperventilar del mismo modo que hacía en las primeras entregas de Mad Max o Lethal Weapon. La inclusión del excelente Ray Winstone fue un acierto, pues su actuación impide en buena medida que la película se termine de convertir en una farsa absoluta, pero no resulta suficiente como para evitar que el final se sienta como parte de Arma Mortal 7.

A fin de cuentas Edge of Darkness resulta ser un medianamente entretenido thriller policiaco, demasiado pretencioso para su propio bien pero cumplidor en términos generales. A los fans incondicionales de Gibson debiera gustarles, aunque para el resto de la gente solo la recomendaría ante la falta de otra opción más atractiva.

Oscar 2010

Por poco y me olvido de publicar esto.

En un par de horas dará inició la ceremonia de entrega de los premios de la Academia y prometí dar mis pronósticos. A continuación listo las nominaciones y debajo de cada categoría mi selección y un breve comentario.

MEJOR PELÍCULA

• "Avatar"
• "The Hurt Locker"
• "Precious: Based on the novel 'Push' by Sapphire"
• "Up in the Air"
• "Inglourious Basterds"
• "Up"
• "The Blind Side"
• "District 9"
• "An Education"
• "A Serious Man"

Solo he visto siete de estas diez películas (Up no la vi porque sigo teniendo prejuicios respecto al doblaje, Precious la acaban de estrenar, así que tal vez la vea la próxima semana, y The Blind Side creo que no tiene fecha todavía), pero de entre ellas me quedaría con The Hurt Locker. Ojalá no vaya a ganar Avatar, pues creo que cualquiera de las otras nueve tiene más méritos.

MEJOR ACTOR

• George Clooney, "Up in the Air"
• Jeff Bridges, "Crazy Heart"
• Colin Firth, "A Single Man"
• Morgan Freeman, "Invictus"
• Jeremy Renner, "The Hurt Locker"

No vi Invictus y A Single Man no se ha estrenado todavía. Delas que he visto, me gustaría que ganara George Clooney pero sospecho que la Academia premiará a Jeff Bridges. Esa obsesión con los borrachos, drogadictos y retrasados se ha vuelto demasiado predecible.

MEJOR ACTRIZ

• Meryl Streep, "Julie & Julia"
• Sandra Bullock, "The Blind Side"
• Gabourey Sidibe, "Precious: Based on the novel 'Push' by Sapphire"
• Helen Mirren, "The Last Station"
• Carey Mulligan, "An Education"

De estas solo he visto la actuación de Carey Mulligan, y si ganase me parecería merecido. La nominación de Meryl Streep ya es cliché, así que dudo que vaya a ganar. Todo apunta a que el premio sea para Sandra Bullock, lo que resultaría extremadamente curioso dado que el viernes recibió el Razzy como la peor actriz del año (por otra película, claro).

ACTOR DE SOPORTE

• Matt Damon, "Invictus"
• Woody Harrelson, "The Messenger"
• Christopher Plummer, "The Last Station"
• Stanley Tucci, "The Lovely Bones"
• Christoph Waltz, "Inglourious Basterds"

Aquí también he visto solo una de estas (Invictus me causaba bastante flojera y a The Lovely Bones le sigo dando largas), pero creo que el consenso es que Christoph Waltz se llavará la estatuilla y dará inicio a lo que promete ser una larga y exitosa carrera en Hollywood.

ACTRIZ DE SOPORTE

• Vera Farmiga, "Up in the Air"
• Mo'Nique, "Precious"
• Anna Kendrick, "Up in the Air"
• Penelope Cruz, "Nine"
• Maggie Gyllenhaal, "Crazy Heart"

Definitivamente tendré que hacerle un espacio a Precious en mi agenda. Nine no creo verla (los musicales no son lo mío y le tengo demasiado aprecio a 8 1/2 de Fellini como para poder apreciar esto). Creo que ganará Vera Farmiga, aunque no me sorprendería si fuese Maggie Gyllenhaal quien se llevara el premio a casa.

DIRECTOR

• Quentin Tarantino, "Inglourious Basterds"
• Kathryn Bigelow, "The Hurt Locker"
• James Cameron, "Avatar"
• Lee Daniels, "Precious: Based on the novel 'Push' by Sapphire"
• Jason Reitman, "Up in the Air"

Con el pendiente de Precious considero que lo más justo sería que ganase Kathryn Bigelow.

PRESENTACIÓN ANIMADA

• "Up"
• "Coraline"
• "Fantastic Mr. Fox"
• "The Princess and the Frog"
• "The Secret of Kells"

No he visto The Secret of Kells ni Up. Creo que será ésta última la ganadora, aunque me encantaría que fuese Coraline. Aunque me encanta la variedad de estilos y técnicas de animación representadas en esta categoría.

GUIÓN ORIGINAL

• "The Hurt Locker"
• "Inglourious Basterds"
• "The Messenger"
• "A Serious Man"
• "Up"

Habiendo visto tres de estas películas creo que debieran ganar los Hermanos Cohen por A Serious Man, y no me sorprendería que así fuera luego del escándalo alrededor del guión de The Hurt Locker, mismo que puede llevar a la Academia a voltear a otra parte para evitar cualquier controversia.

GUIÓN ADAPTADO

• "District 9"
• "An Education"
• "In the Loop"
• "Precious"
• "Up in the Air"

De aquí he visto tres, y todas ellas son buenas películas. Sin embargo, creo que será Precious la que gane en esta categoría.

MEJOR PELÍCULA EN LENGUA EXTRANJERA

• "Ajami"
• "El Secreto de Sus Ojos"
• "The Milk of Sorrow"
• "Un Prophète"
• "The White Ribbon"

Me sorprende mucho que haya dos películas en español en esta categoría. Bien por los cineastas sudamericanos. Sin embargo, creo que nuevamente irá la estatuilla a manos de un alemán, pues The White Ribbon es la gran favorita.

MEJOR EDICIÓN

• "Avatar"
• "District 9"
• "The Hurt Locker"
• "Inglourious Basterds"
• "Precious"

Me parece que este premio debiese estar disputado entre The Hurt Locker y District 9, pero tengo la sensación de que será parte de la oleada de premios técnicos que acaparará Avatar esta noche.

DIRECCIÓN DE ARTE

• "Avatar"
• "The Imaginarium of Doctor Parnassus"
• "Nine"
• "Sherlock Holmes"
• "The Young Victoria"

Dos de estas películas no se han estrenado en México. La academia acostumbra premiar en esta categoría a películas de epoca, pero no los veo dando semejante premio a Sherlock Holmes. Creo que el premio será para Nine.

CINEMATOGRAFÍA

• "Avatar"
• "Harry Potter and the Half-Blood Prince"
• "The Hurt Locker"
• "Inglourious Basterds"
• "The White Ribbon"

Me encantaría que Barry Ackroyd se llevara el premio por su extraordinaria labor en The Hurt Locker, pero creo que este es otro de los que hay que dar por descontados para Avatar.

DISEÑO DE VESTUARIO

• "Bright Star"
• "Coco Before Chanel"
• "The Imaginarium of Doctor Parnassus"
• "Nine"
• "The Young Victoria"

En esta categoría la Academia suele actuar igual que en la de  Dirección de Arte, así que le apunto éste también a Nine.

MAQUILLAJE

• "Il Divo"
• "Star Trek"
• "The Young Victoria"

Tengo la extraña sensación de que este será para Star Trek. ¿Quien lo hubiese imaginado?

MÚSICA (SCORE ORIGINAL)

• "Avatar"
• "Fantastic Mr. Fox"
• "The Hurt Locker"
• "Sherlock Holmes"
• "Up"

Me gustaron mucho los scores de The Hurt Locker y Sherlock Holmes, pero creo que será el de Up el que resulte premiado.

MÚSICA (CANCIÓN ORIGINAL)

• "Almost There" from "The Princess and the Frog"
• "Down in New Orleans" from "The Princess and the Frog"
• "Loin de Paname" from "Paris 36"
• "Take it All" from "Nine"
• "The Weary Kind (Theme from "Crazy Heart") from "Crazy Heart"

Disney puede ver perdida esta estatuilla al dividir votantes, aunque creo que será para Down in New Orleans. Aunque sería genial si ganase The Weary Kind.

EDICIÓN DE SONIDO

• "Avatar"
• "The Hurt Locker"
• "Inglourious Basterds"
• "Star Trek"
• "Up"

Mi corazón está con The Hurt Locker, pero creo que este será uno más para Avatar.

MEZCLA DE SONIDO

• "Avatar"
• "The Hurt Locker"
• "Inglourious Basterds"
• "Star Trek"
• "Transformers: Revenge of the Fallen"

Justo como en la anterior.

EFECTOS VISUALES

• "Avatar"
• "District 9"
• "Star Trek"

En este no hay duda. Aún cuando la mezcla de prostéticos, efectos digitales y trabajo de cámara de District 9 es digna de toda clase de reconocimientos, creo que la revolucionaria técnica de filmación 3D de Avatar cambiará la forma de hacer cine en Hollywood (al menos tratándose de cierta clase de películas), y aún si eso no es necesariamente bueno, el impacto económico que la película ha tenido en la industria la hará acreedora a otra estatuilla.

Listo, con eso cubrimos la mayoría de las categorías, aunque aclaro que omití emitir una opinión sobre documentales y cortometrajes porque no he visto ninguno de los trabajos nominados. Vamos a ver que tan bien puedo predecir las decisiones de los honorables miembros del INAPA..., quiero decir, de la Academia.

An Education

Justo después de comentar sobre la poca presencia de directoras en la industria fílmica internacional me vengo a encontrar con la sorpresa de que An Education (Una Enseñanza de Vida), una película que me llamó la atención primero por su guionista (Nick Hornby), y después por sus nominaciones al Oscar, es una cinta dirigida por una mujer, la danesa Lone Scherfig, de quien debo confesar que no sé absolutamente nada. Un vistazo a su ficha en el IMDb me informa que se trata de su segunda producción en inglés, presumublemente también la segunda realizada fuera de su natal Dinamarca, y que aparentemente fue parte del movimiento conocido como Dogma95 a finales de la década de los 1990s.

An Education está basada en una memoria escrita por Lynn Barber, y cuenta la historia de Jenny (Carey Mulligan), una joven británica de clase media que vive en los suburbios de Londres a principios de los 1960s, asiste a una escuela para señoritas, y sueña y se esfuerza para poder asistir a la prestigiada Universidad de Oxford. Sus padres (Alfred Molina y Cara Seymour) la apoyan e incluso presionan, especialmente su padre, para que alcance ese objetivo. Sus planes de vida son alterados cuando conoce a David (Peter Sarsgaard), un hombre que casi le dobla la edad pero con quien aparentemente comparte la afición por el arte, la música clásica y todo lo relacionado con París.

Armado únicamente con su carisma y una habilidad verbal que sería la envidia de cualquier vendedor, David se va ganando poco a poco la confianza de los padres de Jenny, quienes acceden a que la lleve a recitales de música clásica e incluso a un viaje de fin de semana a Oxford. Sin embargo, David no es exactamente lo que parece, pues detrás de la apariencia de acaudalado playboy y socialité se esconde una persona de escrúpulos cuestionables y cuya forma de vida es sostenida mediante tratos comerciales no precisamente para presumir. Acompañados casi siempre por Helen y Danny (Rosamund Pike y Dominic Cooper), una pareja de amigos de David, Jenny descubre todo un mundo que su conservadora forma de vida no le había permitido siquiera vislumbrar.

El cambio en la perspectiva de Jenny es tan radical que en unos cuantos días decide que tal vez la educación formal y cualquier satisfacción que pudiese salir de asistir a un colegio tan afamado como Oxford pueden estar sobrevalorados, llegando al extremo de abandonar la escuela y todos sus sueños en aras de seguir llevando esa aparente vida de ensueño al lado de David, quien le propone matrimonio. Desafortunadamente para Jenny, la realidad regresa para golpearla de lleno en la cara y llevándola a reevaluar lo que desea hacer con su vida.

An Education es una pieza de conjunto, pues aún cuando todo gira en torno a la figura de Jenny, interpretada de una manera asombrosa por Mulligan, quien no en vano se ha ganado el reconocimiento de la crítica y varias nominaciones a distintos premios, el sútil trabajo de caracterización logrado por Scherfig de la mano del guión de Hornby es lo que separa a esta película de muchos dramas que persiguen temáticas similares. El elenco, compuesto por una mezcla de actores jóvenes y veteranos, está lleno de actores, no de estrellas. A los ya mencionados habría que agregar a Olivia Williams y Emma Thompson, en papeles de soporte.

El resultado final es una entrañable película sobre sueños y aspiraciones, aderezada con ciertos toques de comedia romántica y el suficiente drama de costumbres como para pensar en ella como una historia de Jane Austen magistralmente adaptada a la época contemporánea. En cuanto a sus posibilidades este domingo en los Premios de la Academia... bueno, creo que va siendo hora de poner algún post de pronósticos que no sean de la NFL, ¿no? Que mejor que este domingo, entonces, para publicar mi primera quiniela de los Oscar. Hasta entonces.

La Loi des mâles

La Ley de los Varones es el cuarto volumen de la serie de Los Reyes Malditos, la histórica saga de los Reyes de Francia durante el siglo XIV escrita por el académico francés Maurice Druon, y es el quinto que leo de los mismos (suena raro, pero fue debido a un error explicado aquí). Pueden checar mis comentarios sobre los libros anteriores en los archivos del blog.

Tras la muerte de Luis X a menos de un año del homicidio de su esposa, el reino se encuentra una vez más en caos pero con un añadido de suma gravedad, pues es la primera vez en mucho tiempo que un rey fallece sin tener sucesor. La reina Clemencia está embarazada, pero aún flatan un par de meses para que dé a luz y hasta entonces no se sabe si habrá un rey o si Luis X solo dejó mujeres como descendencia. Por primera vez en muchas décadas no es posible responder al anuncio de "El Rey ha muerto" con el tradicional "Viva el Rey".

En ese clima de incertidumbre se da un nuevo enfrentamiento en busca del poder, pues aún en el caso de que Clemencia de a luz a un varón, pasarán más de diez años antes de que éste pueda llegar a ejercer el poder. Mientras eso sucede, es necesario que se nombre a un regente, alguien que quede a cargo de los asuntos de gobierno mientras se establece el estado de la sucesión real. Carlos de Valois, hermano de Felipe IV "El Hermoso"; tío y consejero del difunto Luis X, se apresura a tratar de asegurar que los barones del reino lo reconozcan como regente, pero su sobrino Felipe de Poitiers, hermano de Luis X, no parece muy dispuesto a cederle la posición que él considera es suya por derecho.

El tercero en discordia es el Duque de Borgoña, hermano de la difunta Reina Margarita, primera esposa de Luis X, y quien pretende reclamar para si el título de regente bajo la premisa de cuidar el reino que por derecho es de su sobrina Juana, hija de Margarita y Luis, aún cuando persisten en la corte dudas sobre la legitimidad de la niña luego de la infidelidad que puso a Margarita de Borgoña en desgracia.

La clave en esta disputa por el gobierno de Francia será el uso que cada uno de ellos de a sus alianzas, colocando en un lugar central de los asuntos del reino la lucha por los derechos del condado de Artois entre Roberto, sobrino de Carlos de Valois, a quien apoya abiertamente; y Mahaut, su tía, quien además es suegra de Felipe de Poitiers, en quien tienen puestas sus esperanzas de ganar definitivamente el control de la ancestral propiedad de su familia. Esa disputa data desde el reinado de Felipe El Hermoso y su solución final se adivina aún muy lejana.

En adición a las intrigas y conspiraciones que forman parte integral de esta serie desde el primer volumen, este tomo en particular me gustó por el tratamiento que hace de la otra gran disputa de poder de la época entre los cardenales italianos y franceses, quienes han hecho todo lo posible por boicotear la realización de un cónclave para elegir al nuevo Papa, concentrando la atención en el Cardenal Jacobo Dueze, explorando además su ideología y la planeación hecha desde años atrás para ir escalando posiciones dentro de la jerarquía católica.

No hay mucho que pueda decir del trabajo del maestro Druon que no haya dicho antes. El libro es ágil y dinámico, presentando una serie de hechos históricos pero sin limitarse a dar una sucesión de nombres, fechas y lugares, si no creando un retrato creible y realista de la época y marcando cada hecho histórico de una manera inteligente y entretenida, mostrando su impacto en la vida diaria de los habitantes de la época.

La caracterización de los personajes principales es primordial para que estos libros resulten tan absorbentes, pues convierte las frías imágenes de de los nobles de la época en seres humanos similares a cualquier otro, con sueños y ambiciones, defectos y virtudes, luchando por salir lo mejor librados que sea posible en un mundo donde es tan fácil recibir en la espalda una palmada como una puñalada. El uso adicional de personajes menos conocidos para enriquecer la historia es también notable desde el primer volumen, y es en esta entrega cuando la figura de Guccio Baglioni, lombardo convertido en paje y mensajero de grandes figuras de la época, alcanza una relevancia insuperable.

Creo que si los libros de texto de historia fueran escritos de una manera similar, sería una de las materias más populares en cualquier grado escolar. Saga ampliamente recomendada.

The Hurt Locker

Tengo un amigo a quien a primer vistazo muchos podrían tachar de ignorante, cerrado, machista y demás calificativos poco halagadores. La verdad es que no es del todo cierto, pero sus reacciones viscerales y su costumbre de soltar su opinión sin cuidar la forma en que lo hace pueden provocar muchos malentendidos. La última vez que tuve una discusión con él de esas que provocan malentendidos, fue luego de que hizo un comentario acerca de la incapacidad de las mujeres para ser buenas directoras de cine.

Su  argumento no es que una mujer no pueda dirigir cine, simplemente que no pueden llegar a ser directoras con personalidad propia, dirigiendo la clase de películas que quieren hacer y haciéndolas de la manera que desean hacerlo, lo cual queda demostrado al ver que la gran mayoría de directoras trabajando en el medio solo dirigen dramas telenovelescos y/o comedias románticas, y que estaba muy lejos el día que alguna mujer pudiese ser tomada con seriedad entre los grandes realizadores de cine. La única respuesta que se me ocurrió ante tales argumentos fue un nombre: Kathryn Bigelow.

Kathryn Bigelow se rehusa a ser encasillada y sus películas tienen un toque distintivo y personal que las separan de las formulaicas producciones "de estudio". Desde la extraordinaria película de vampiros Near Dark (ya comentada aquí hace un par de años), hasta la oscura pieza de ciencia ficción Strange Days (Días Extraños) y pasando por diferentes clases de drama y thriller como Blue Steel, Point Break (Punto de Quiebra), K-19: The Widowmaker, o The Weight of Water (El Peso del Agua), las cintas de Bigelow son claramente proyectos personales en los que explorar sus personajes y expresar un punto de vista es tan importante como contar una historia, y The Hurt Locker no es la excepción.

The Hurt Locker (Zona de Miedo) sigue a un esquadrón especializado en disponer de artefactos explosivos (EOD, por sus siglas en inglés) apostado en Irak como parte de la Compañía Bravo del ejército de los Estados Unidos. Cuando el oficial al mando de la unidad, el Sargento Matt Thompson (Guy Pierce) muere durante una detonación, el Sargento William James (Jeremy Renner) es enviado para reemplazarlo y acompañar al Sargento J.T. Sanborn (Anthony Mackie) y al especialista Owen Eldridge (Brian Geraghty) hasta que cumplan con su año de servicio. El problema para la pequeña unidad es que James es adicto a la adrenalina y acostumbra saltarse todas las medidas de precaución que se considerarían como estándar para una unidad con un trabajo tan peligroso como el EOD.

Tal vez el mayor acierto de The Hurt Locker es el hecho de que se mantiene al margen de la política detrás de la guerra. La gran mayoría de las películas realizadas hasta ahora sobre la intervención militar norteamericana en Irak parecen demasiado preocupadas en buscar explicaciones para el origen de la intervención o completamente enfocadas a excusar y/o juzgar y criticar la continua presencia del ejército estadounidense en la región. En vez de ello Kathryn Bigelow decide concentrarse en las personas que viven cualquiera de las dos situaciones, ya sea el sufrir la presencia en casa de un ejército extranjero, o el formar parte de una fuerza de ocupación en territorio hostil.

La película abre con una cita del periodista y corresponsal de guerra del New York Times Chris Hedges:

"The rush of battle is a potent and often lethal addiction, for war is a drug." (El Trance de la batalla es una potente y a menudo letal adicción, pues la guerra es una droga)

Esa adicción es ejemplificada perfectamente en la persona del sargento James, pues mientras todos sus compañeros buscan pasar el tiempo que les resta de servicio lo más seguros que sea posible y no tienen intenciones de regresar jamás, James expresa sus dudas sobre desear regresar a la vida civil, aún a pesar de ser el único miembro de la unidad casado y con un niño. La exploración del microcosmos de este pequeño grupo de soldados es lo que hace que The Hurt Locker resulte una película tan humana y emocional al tiempo que permite algunos vistazos al macrocosmos que es el conflicto armado en medio del cual se encuentran los personajes.

Me gustaría destacar el trabajo de cinematografía de la película, realizado por Barry Ackroyd, quien fue elegido para el trabajo luego de que la directora viese y quedase admirada con lo que hizo para Paul Greengrass en United 93 (otra exttraordinaria película que algún día necesito comentar aquí), trabajo donde logró momentos reminiscentes del llamado cinema verité. Para replicar ese efecto en The Hurt Locker utilizaron simultáneamente varias cámaras S16mm, lo que permitió a Bigelow editar utilizando varios puntos de vista y dar esa sensación de realismo e intimidad que se da a lo largo de toda la película.

Encuentro curioso que la directora originalmente no pensaba realizar esta película y se encontraba lista para iniciar la pre-producción de un proyecto diferente, pero fue su ex-esposo y frecuente productor James Cameron (una prueba más de que su su mejor trabajo en el cine rara vez se da detrás de la cámara) quien la convenció de dirigirla luego de leer el guión. Como premio ahora la verá convertida en su rival como la principal contendiente a llevarse el Oscar el próximo domingo.

Por cierto, en cuanto a mi amigo, el mencionar a la Bigelow no fue suficiente para hacerlo cambiar de opinión. Ahora resulta que incluso se convierte en su argumento final, porque es la excepción que confirma la regla. ¿Conoce alguien a alguna otra directora que pudiese desmentirlo?